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리시크라테스의 합창 기념비

리시크라테스의 합창 기념비


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J. 폴 게티 박물관

외부에 늘어선 코린트식 기둥이 있는 원형 기념물. 기념물은 둥근 지붕을 가지고 있으며 정사각형 연단에 세워져 있습니다. 기념물은 부분적으로 발굴되었으며 주변 땅에는 작은 잔해 더미가 있습니다. 기념비 뒤에는 기와 지붕이 있는 집이 몇 채 있습니다.

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리시크라테스의 합창 기념비

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고대 그리스에서 매년 주최하는 연극 대회 초레고이, 연극 예술의 부유한 후원자가 디오니소스 극장에서 열렸습니다. 우승 공연을 후원한 초레고는 청동 삼각대 모양의 큰 트로피인 상을 받았습니다. 기원전 334년에 리시크라테스는 그러한 상 중 첫 번째 상을 받았고 그의 트로피를 위한 기념비를 의뢰했습니다.

기념물은 도시 입구에서 극장으로 이어지는 고대 도로인 트리피돈 거리(삼각대 거리)에 자리 잡고 있으며 한때 합창 기념물이 늘어서 있었습니다. 나머지 토대는 1980년대에 발견되었지만 리시크라테스 기념비만 온전하게 남아 있습니다.

이 기념물은 입방체의 대리석 바닥과 Architrave를 지원하는 Corinthian 스타일의 반 기둥이 있는 원형 홀을 가지고 있습니다. Architrave 위에는 Lysicrates의 우승 연극 장면을 묘사한 프리즈가 포함된 엔타블러처가 있습니다. 그들은 그리스 무대의 신 디오니소스가 해적들을 돌고래로 바꾸어 무찌르는 모습을 보여줍니다. 엔타블러처는 원래 삼각대 모양의 트로피를 들고 있는 세 개의 두루마리의 기초였던 지금은 없는 돔을 지지했습니다.

1658년에 프랑스 카푸친 수도원이 그 자리에 세워졌고 나중에 기념물을 구입하는 데 성공했습니다. 승려들은 이 기념물을 도서관으로 사용했으며 그 덕분에 부분적으로는 몇 년 동안 살아남았습니다. 수도원 자체에는 명성에 대한 몇 가지 다른 주장이 있습니다. 시인 바이런 경은 1810년 그리스를 방문했을 때 그곳에 머물렀고 그의 유명한 시 "아테네의 하녀"를 썼습니다. 그리고 1818년에 한 승려가 수도원 정원의 리시크라테스 기념비 옆에 그리스 최초의 토마토 식물을 심었습니다.

choragic 기념물은 수도원이 파괴되었을 때 그리스 독립 전쟁 중에 1824년에 손상되어 부분적으로 잔해에 묻혔습니다. 그것은 프랑스 정부의 도움으로 복원되었으며 지금은 그 이름을 딴 광장에 자랑스럽게 서 있습니다.


시드니 왕립 식물원의 리시크라테스 합창 기념비의 재탄생

시드니 왕립 식물원(Royal Botanical Gardens)에 위치한 복원된 리시크라테스(Lysicrates)의 합창 기념비가 10월 16일 공개될 예정입니다.

148년 된 기념비는 수년에 걸쳐 절망의 상태에 빠졌습니다. 그러나 국보 복원을 위해 2년 동안 임무를 수행한 John과 Patricia Azarias 덕분에 이 기념물은 민간 및 정부 기금으로 60만 달러를 개조했습니다.

두 사람은 2014년에 정원을 방문하던 중 버려진 기념물이 눈길을 끌었습니다.

인간은 기념비를 세우고 그것을 통해 기억될 것이라고 생각하고 사람들은 더 이상 그것을 볼 수 없으며 투명하게됩니다. 그리고 그것은 이 기념물에 일어났습니다.” Mr Azarias는 neoskosmos.com에 말했습니다.

Azarias씨는 그들이 모든 배경의 기부자들을 끌어들일 수 있었다고 설명했습니다.

“그리스 커뮤니티가 가장 먼저 응답했습니다…기부자들은 아프리카, 앵글로-켈트족, 중국인, 그리스인, 인도인, 이탈리아인, 기독교인, 유대인, 이슬람교도 등 다양한 배경에서 왔습니다. 이는 활기와 다양성에 대한 또 다른 증언입니다. 이 멋진 도시의.”

그러나 Azarias 부부가 Lysicrates Foundation을 설립함에 따라 지역 사회에 복원된 기념비 이상의 것이 있습니다. 이 재단은 기원전 334년에 choregos Lysicrates가 로마 극장에서의 승리를 기념하여 세운 아테네의 기념비에서 영감을 받았습니다. 디오니소스 대회.

Lysicrates Foundation은 매년 3명의 극작가를 초청하여 연극의 첫 장면을 공연하고 우승자는 작품 완성을 돕기 위해 $12,500를 받습니다.

본질적으로 우리는 위대한 디오니시아를 부활시키고 있다고 Azarias 씨는 neoskosmos.com에 말했습니다. 모든 관객이 음악원에 와서 작은 도자기 토큰을 받은 다음 연극을 차례로 관람합니다. 그들이 떠날 때 세 개의 항아리가 있고, 각 플레이마다 하나씩, 그들은 가지고 있는 토큰을 하나에 넣습니다. 가장 많이 가진 항아리가 승자입니다.”

2017년 Lysicrates Prize의 최종 후보작은 이달 말 발표될 예정이며 2월에 Sydney Conservatorium of Music에서 공연될 예정입니다.


복원된 리시크라테스 합창 기념비 공개 예정

John Azarias는 항상 사회가 창의성을 촉진해야 한다고 생각했습니다.

그에게 개인적으로 그렇게 할 수 있는 기회는 2014년 5월 시드니의 왕립 식물원을 우연히 산책한 후 아내인 Patricia Azarias 박사와 함께 Lysicrates의 Choragic Monument 앞에서 자신을 발견했을 때 나타났습니다. 디오니소스 극장 경쟁에서 승리한 것을 기념하기 위해 choregos Lysicrates가 기원전 334년 아테네에 세운 원본.

기념물과 그 중요성에 대해 잘 알고 있는 그들은 사암의 열악한 상태에 주목하지 않을 수 없었습니다.

인간은 기념비를 세우고 그것을 통해 기억될 것이라고 생각하고 사람들은 더 이상 그것을 볼 수 없으며 투명하게됩니다. 그리고 그것은 이 기념비에 일어났습니다.” Mr Azarias가 말했습니다. 네오스 코스모스.

그 순간 그는 기념비를 복원하고 이후에 Lysicrates Foundation을 설립하는 데 영감을 받았습니다.

다양한 이사회의 상임 이사이자 전직 외교관이었던 Azarias는 사람들의 관대함을 찾아 전화를 걸기 시작했습니다. Australia’ 역사의 한 부분으로서 그는 사람들이 이니셔티브를 지원하는 것을 매우 기쁘게 생각한다는 사실을 발견했습니다.

"그리스 커뮤니티가 가장 먼저 응답했습니다.” 그는 커뮤니티의 한 부문에만 의존하고 싶지 않고 시드니의 공동 프로젝트로 인식하고 있다고 덧붙였습니다.

아프리카, 앵글로-켈트족, 중국인, 그리스인, 인도인, 이탈리아인, 기독교인, 유대교인, 이슬람교도 등 다양한 배경에서 기부자들이 모였습니다.

NSW의 세 번 수상한 James Martin 경이 처음 의뢰한 이 기념비는 처음에는 Potts Point에 있는 그의 집에 1943년까지 보관되어 있었다가 정원의 현재 위치로 옮겨졌습니다.

존과 그의 아내 Patricia Azarias 박사.

노력이 시작된 지 2년이 지났고 Azarias는 주 정부의 Stone Masons 프로그램을 통해 기념물을 이전 영광으로 복원하는 임무에 성공했습니다.

그러나 그들이 되살린 것은 기념비만이 아닙니다. 호주의 연극 재능을 격려하고 보상하기 위해 그들은 리시크라테스 상을 통해 그레이트 디오니시아 극장 모델 자체를 재도입했습니다.

고대 아테네의 3부작을 연상시키는 극작가 3명을 초청해 작품의 첫 장면을 선보이며, 이 정도 수준의 다른 대회와 달리 승자를 결정하는 것은 관객이다. 약 2,000년 동안 세계.

“본질적으로 우리는 위대한 디오니시아를 부활시키고 있다고 Azarias 씨는 말합니다. 모든 관객이 음악원에 와서 작은 도자기 토큰을 받은 다음 연극을 차례로 관람합니다. 그들이 떠날 때 세 개의 항아리가 있고, 각 플레이마다 하나씩, 그들은 가지고 있는 토큰을 하나에 넣습니다. 가장 많이 가진 항아리가 승자입니다.”

극작가는 청중의 승인을 받을 뿐만 아니라 전체 희곡을 작성하는 데 도움이 되는 12,500달러도 받습니다.

2015년 첫 번째 상은 NSW Mike Baird 수상이, 2016년에는 Mitch Fifield 연방 예술부 장관이 수상했습니다.

그러나 예술 감독의 손에서 권력을 빼앗는다는 아이디어는 처음에는 호의적으로 보이지 않았습니다.

“처음 Griffin Theatre의 예술 감독을 만나 우리의 아이디어에 대해 이야기했을 때 그녀는 우리가 미쳤다고 말했습니다” Mr Azarias는 인정합니다.

모든 극장의 예술 감독은 게이트 키퍼입니다. 모두가 가서 그들에게 연극을 시작하라고 간청합니다. 여기에서 우리는 그녀에게 가서 당신이 관객에게 당신의 역할을 양보할 것이라고 말합니다.”

인내하고 그렇게 함으로써, 그는 재단이 극장 제작자와 예술 감독이 청중이 어떻게 반응하는지 볼 수 있는 대안적 플랫폼을 만들었다고 말합니다. 앞으로 그는 이 행사가 2~3일에 걸쳐 확대되어 전 세계적으로 관심을 끌기를 희망합니다.

이번 달 기념비 공개와 함께 The Lysicrates Prize 2015: People’s Choice 책이 출시되고 2017년 Lysicrates Prize의 최종 후보 극작가가 발표됩니다. 공연은 오는 2월 시드니 음악원에서 열릴 예정이며 사회 각계각층의 관심을 끌기 위해 입장료는 없다.

“우리는 일반적으로 극장에 가거나 극장에 다니는 평범한 용의자뿐만 아니라 모든 우편 번호, 모든 연령대의 사람들이 있기를 원합니다” Mr Azarias가 말했습니다.

어떤 사람들에게는 고대 역사의 오랜 시간을 기념하기 위해 가려고 많은 노력을 기울이는 것처럼 보일 수 있습니다. 그러나 Mr Azarias에게는 그 이상입니다.

148년의 역사를 자랑하는 이곳의 기념비는 우리 유산의 일부이며 우리는 우리의 과거를 기념할 뿐만 아니라 호주의 창의성을 증진합니다. 그는 이것이 재단의 핵심 목표라고 말했습니다.
우리 재단의 모토는 낙서하는 사람, daubers 및 모듬 달걀 머리가 사회의 진정한 보물이며, 우리의 이야기를 캡처하는 사람, 즉 기억될 사람이 될 것이라는 것입니다. 앞으로는 그 어떤 것도 기억되지 않을 것입니다.”


고대-현대 기념물의 바로 그 모델

“Pennsylvania Bank, 1867,” 사진작가 John Moran의 알부민 인쇄 세부 사항. (필라델피아 도서관 회사) James Stuart’s Antiquities of Athens, 1762에서 Lysicrates의 Choragic Monument. (Smithsonian Libraries)

1830년대에는 생각 사람들은 모든 마지막 건축가가 그들의 도시를 그리스어로 번역하는 것을 보는 것에 약간 지쳐가기 시작할 것입니다. 그리고 그들은 ~ 할 것 같다 아주 오래된 것과 아주 새로운 것을 결합하는 William Strickland의 방법이 없었다면 그렇게 했을 것입니다. 국내에서 가장 창의적인 건축가/엔지니어 세대는 게임을 몇 단계 끌어올리는 데 주저하지 않았습니다. Strickland는 스튜어트의 사본을 꺼냈습니다. 아테네의 고대 유물, 70년 동안 주변에 있었고 Benjamin Henry Latrobe, John Haviland 및 Strickland 자신을 포함한 건축가들에 의해 오랫동안 소스로 사용되었던 책입니다.

하지만 지금은 위험이 더 높았다. Strickland는 Dock, Walnut 및 Third Streets에 의해 정의된 매우 눈에 띄고 기이한 모양의 건물 부지에서 건축학적 의미를 만드는 도전에 직면했습니다. 그리고 그는 멘토의 걸작인 Bank of Pennsylvania의 그늘에서 일하는 자신을 발견했습니다. 이 험난한 현장에는 탁월한 솔루션과 혁신적인 솔루션이 필요했습니다. 삼각형의 건물 부지에 직사각형의 그리스 사원을 짜내는 것은 불가능합니다. Strickland는 더 대담하면서도 더 신중하게 고려된 디자인 솔루션을 찾아야 했습니다.

그리고 그는 그렇게 했습니다. 이 쐐기의 좁은 끝 부분에 위치한 Strickland는 반원형 포르티코를 높여 이 동쪽 파사드를 시민 광장의 웅장한 입구처럼 보이게 합니다. (실제로 이것은 건물의 웅장하고 둥근 뒤편입니다. Strickland는 Third Street를 사용자 친화적 인 입구로 만들었습니다.)

1915년 3월 24일 Dock and Walnut Streets의 오래된 증권 거래소의 전망. (PhillyHistory.org)

도시의 강변에서 몇 블록 떨어진 필라델피아의 아침 해를 마주하고 있는 필라델피아(고대 아테네를 비추던 것과 같은 곳)에는 스트릭랜드의 걸작이 서 있었습니다. 그의 다른 그리스 부흥 건물과 달리 이것은 아테네의 고대 유물. 여기 지금 여기에서 필라델피아에 서비스를 제공하는 그리스 기능의 3D 광고판이 있었습니다.

전체 프로젝트를 하나로 묶은 큐폴라의 경우 Strickland는 스튜어트의 기원전 334년 기념비가 여전히 아테네 거리에 매우 많이 서 있는 삽화에서 영감을 얻었습니다. 리시크라테스의 합창 기념비는 아이스킬로스, 소포클레스, 에우리피데스의 위대한 드라마를 제작한 동일한 축제의 일부인 공연 예술 대회에서 합창상을 수상한 자축하는 21피트 받침대였습니다. Stuart와 William Henry Playfair는 Staffordshire와 Edinburgh에서 말 그대로 복제품을 디자인했습니다. 여기 필라델피아에서 Strickland는 디자인에 큰 자유를 얻었고 매우 미국적인 결과를 얻었습니다.

그는 "기념비"를 거리 수준에서 지붕으로 옮겼습니다. 그는 높이가 40피트, 지름이 14피트인 스카이라인을 정의하는 거대한 구조물을 만들면서 원본 크기의 두 배로 불어넣었습니다. 그리고 Strickland는 리시크라테스의 Choragic Monument를 오랜 세월 동안 돌로 해석하는 대신 수십 년 동안만 지속할 수 있다는 것을 알고 있던 나무로 디자인했습니다. (약 60년마다 교체될 것입니다.) 이제 유럽에서 멀리 떨어진 이 팝아트 규모의 고고학적으로 정확한 기념물은 과거를 반영할 것입니다. 그러나 더 중요한 것은 여기 필라델피아의 1830년대 도시 경관 위에 이 랜드마크가 현재 매우 중요하게 작용할 것이라는 점입니다.

Merchant Exchange Building 동쪽, 1960년 11월 2일. (PhillyHistory.org)

상인 거래소, 특히 동쪽 끝에 있는 타워는 새로운 첨단 정보 네트워크의 필수 요소가 될 것입니다. 1837년 훨씬 이전에 Samuel F.B. Morse는 전신에 대한 특허를 취득했습니다. 방법 인터넷을 꿈꾸는 사람보다 더 오래 전에) 유럽인과 미국인은 장거리에 걸쳐 암호화된 메시지를 빠르게 전송할 수 있는 "광전신기"를 가지고 있었습니다. 일찍이 1807년에 미국 의회는 뉴욕과 뉴올리언스를 연결하는 1,200마일 길이의 광전신탑에 자금을 지원하는 것에 대해 토론을 했고 결국 투표에 참여했습니다. 이 프로젝트는 무산되었습니다. 하지만 만만하지 않았습니다. 10여 년 전 Claude Chappe의 발명품인 "세마포어 시각 전신기(semaphore visual telegraph)"는 파리와 릴 사이의 143마일 연결로 프랑스에서 실현되었으며, 이는 3,000마일을 확장하는 유럽 전역에 걸쳐 500개 이상의 타워 네트워크로 성장할 것입니다. 1799년 나폴레옹 보나파르트가 집권했을 때 그는 영국 해협을 가로질러 기술을 확장하는 것을 구상했습니다.

1964년 10월 25일, 3번째 큐폴라 건설 중 3번가 위에서 동쪽을 바라보는 상인 거래소. (PhillyHistory.org)

그래서 미국 건축가 William Thornton이 1800년에 북미와 남미를 연결하는 것을 구상했을 때, 그 가능성은 레벨 헤드를 흔들었습니다. 오래지 않아 보스턴과 뉴욕의 미국 사업가들은 자체 광전신망을 갖게 되었습니다. Merchants Exchange가 건설 중일 때 보스턴의 광전신기는 실시간으로 운송, 상업 및 투자를 추적했습니다.

"시간과 거리가 소멸된다"는 1830년대의 유행어가 되었습니다.

따라서 Dock과 Walnut Streets 위에 있는 Merchant Exchange의 큐폴라가 세 가지 임무를 수행한 것은 놀라운 일이 아닙니다. 망원경으로 점원을 위한 망원경으로 필라델피아 항구를 오가는 배를 식별하는 횃대 역할을 했으며, 뉴저지 평원을 가로지르는 뉴욕, 그리고 가장 오래 지속되는 메시지: 필라델피아가 마침내 고대 아테네의 현대판으로 자리 잡았다는 것입니다.


리시크라테스의 합창 기념비 - 역사

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큐레이터 메모

이것은 Choragic Monument의 매우 특이한 변형입니다. Fouquet는 그의 모델 재구성을 아테네의 원본 묘사에 기반을 두지 않았습니다. 안무 또는 연극 후원자 Lysicrates. 기원전 335년이나 334년에 그가 조직하고 비용을 지불한 드라마는 그 신을 기리기 위해 아테네의 디오니소스 극장에서 열린 디오니시아 종교 축제에서 1등상을 수상했습니다. 상은 리시크라테스의 승리를 기념하기 위해 그의 이름을 딴 작은 원형 기념물(기원전 334년)에 세워진 청동 삼각대였습니다. 대신 Fouquet는 1801년 나폴레옹 1세에 의해 파리 생클라우드 성 공원에 세워진 키가 큰 탑 같은 어리석은 '데모스테네스의 등불(Lantern of Demosthenes)'을 모델로 삼았습니다. 느슨하게 고전 기념물을 기반으로합니다. 열린 원형 구조에는 황제의 흉상(Fouquet의 모델에서 축소판으로 복제됨)이 포함되어 있으며 랜턴은 조명을 받아 나폴레옹이 성에 거주하고 있음을 나타냅니다. Lysicrates의 원래 Choragic 기념물은 St Cloud의 탑보다 훨씬 짧았고 중앙 부분은 결합된 Corinthian 기둥이 있는 속이 빈 드럼으로 형성되었습니다. 1870년, 프랑코-프로이센 전쟁의 결과로 세인트 클라우드의 데모스테네스 랜턴이 파괴되었습니다.

이 모델은 하드리아누스 개선문(MR74)과 함께 제2차 세계 대전 중에 심하게 손상되었는데, 아마도 1940년 10월 15일 밤에 링컨의 인 필드에 지뢰가 떨어져 유리 케이스와 석고 모델이 산산조각이 났을 때였을 것입니다.

부서진 석고 기둥을 통해 푸케가 연약한 석고를 강화하는 데 사용한 내부 청동 뼈대를 볼 수 있습니다. 이 청동 막대를 기둥 샤프트의 주형에 넣은 다음 액체 석고를 그 주위에 부은 것으로 보입니다.


리시크라테스 합창 기념비 공개

시드니에서 가장 복잡한 역사적 기념물 중 하나가 NSW 정부의 석공 전문 부서, 시드니 자선가 그룹 및 왕립 식물원의 작업 덕분에 예전의 영광을 되찾았습니다.

왕립 식물원(Royal Botanic Gardens)에 위치한 리시크라테스 코라직 기념비(Choragic Monument of Lysicrates)는 기원전 334년에 만들어진 고대 그리스 기념물의 1870년 복제품입니다.

재무, 서비스 및 재산 장관 Dominic Perrottet은 오늘 장관의 석조물 프로그램의 일환으로 200,000달러를 투자하여 부분적으로 복원된 기념비를 공개했습니다.

“리시크라테스 기념물은 우리 도시, 우리 주 및 국가를 형성한 풍부한 문화 역사와 유산을 대표하며 우리는 미래 세대를 위해 그 역사를 보존해야 합니다” Mr Perrottet이 말했습니다.

“올해 초 정부는 우리의 유산 아이콘을 복원하고 보존하기 위해 전문 석공들에게 2백만 달러의 추가 자금을 투입했으며, 저는 이 기념물의 보존을 프로그램의 일부로 포함할 수 있게 되어 기뻤습니다.”

Yellowblock에서 일하는 석공들.

고대 그리스와의 연결 외에도 시드니 기념물은 상당한 지역적 역사적 중요성을 가지고 있습니다. 그것은 1868년 Premier James Martin(Martin Place의 이름을 따서 명명됨)에 의해 의뢰되었으며 시드니의 상징적인 Yellowblock 사암으로 조각되었습니다.

원래 Martin’s Potts Point 정원에 있던 이 기념물은 1943년 철거되지 않고 보존되었으며 시드니 모닝 헤럴드(Sydney Morning Herald) 기자 프리츠 버넬(Fritz Burnell)의 캠페인에 따라 당시 수상 윌리엄 맥켈(William McKell)이 왕립 식물원(Royal Botanical Gardens)으로 이전했습니다.

2014년에 시드니 자선가 그룹은 비와 바람이 기념비의 부드러운 황금빛 사암을 침식한 것을 발견했습니다. 이 그룹은 기념물 복원을 위해 장관의 석조 프로그램 및 왕립 식물원과 긴밀히 협력해 온 Lysicrates 재단을 설립했습니다.

기념물의 지속적인 유지 관리는 Lysicrates Foundation과 Royal Botanic Gardens의 지원을 받습니다. Lysicrates Foundation은 또한 호주에서 공연 및 시각 예술을 홍보하기 위한 활동의 ​​일환으로 그리스 연극 전통에서 매년 연극 쓰기 대회를 개최했습니다.


보존(건축) 및 #8211 안무 기념비

Choregic Monument of Lysicrates는 Farm Cove 방파제와 가까운 Royal Botanic Gardens에 있습니다. 이 기념물은 기원전 334년 아테네에 세워진 원본의 사본입니다. 이 프로젝트에는 연구, 상태 평가, 담수화, 재조각 및 표면 안정화가 포함되었습니다. 지역사회의 선동과 참여는 이 프로젝트의 주요 부분이었습니다.

Choregic 기념물은 그 형태, 재료, 장인 정신 및 역사적 연관성으로 인해 중요합니다. 기념물은 시드니 시 LEP인 내셔널 트러스트 등록부에 등재되어 있으며 보존 지역 내에 있는 항목입니다. 그리스의 원래 기념물은 코린트 식 수도의 첫 번째 외부 사용으로 믿어지며 코린트 식 수도의 구성을 보여주기 위해 건축 역사 책에 포함됩니다. 1870년에 만들어진 시드니의 사본을 통해 학자, 학생 및 지역 사회는 학습하고 즐길 수 있는 충실한 비율의 복제품에 액세스할 수 있습니다.

기념비는 호주 박물관의 영광스러운 코린트식 수도 조각으로도 유명한 석공 Walter McGill의 고품질 동굴 탐험과 필사 기술을 보여줍니다. 기념비는 1870년에 포츠 포인트에 있는 자신의 정원을 위한 작업을 의뢰한 마틴 플레이스(Martin Place)에서와 같이 NSW의 전 수상인 제임스 마틴 경(Sir James Martin)과의 연관성으로 인해 중요합니다. 기념비는 1943년 왕립 식물원으로 이전되었습니다.

프로젝트 선동:
2014년 개인 시민인 Patricia와 John Azarias는 시드니의 왕립 식물원을 산책하는 동안 Choragic Monument가 보살핌이 필요한 것을 관찰했습니다. 그들은 개인 기부자로부터 기금을 모으기 위해 Lysicrates 재단을 만들었으며 주 정부의 MSP(Minister's Stonework Program)는 기금을 달러당 일치시켰습니다. 이것은 MSP가 착수한 최초의 민간/공공 파트너십입니다. 프로젝트의 총 비용은 $450,000였습니다.

보존 접근:
개인 기부자 기금으로 '복원'에 대한 선입견이 생겼고 기념물이 깨끗하고 개선될 것이라는 기대가 생겼습니다. MSP 팀은 기부자들과 긴밀히 협력하여 Burra Charter 지침에 따라 기념물의 보존 결정을 위한 프레임워크를 제공했습니다. 이 프로젝트의 주요 과제는 기존 조건과 열악한 환경 조건에 대한 지속적인 노출을 고려하여 석재 대체 수준을 결정하는 것이었습니다. 형식(고린도식)에 근거한 의미의 문제는 진위여부를 면밀히 평가하였다.

기념물 내의 중요한 요소의 계층 구조에서 조각은 물에 던져지면 돌고래로 변하는 해적과 싸우는 그리스 신 디오니소스의 이야기를 말해주기 때문에 프리즈는 매우 중요합니다. 프리즈는 3개의 돌로 구성되어 있으며, 각각의 돌은 이야기의 1/3을 말하고 있습니다. 팀은 부식이 진행된 상태로 인해 세 개의 돌(남서향) 중 하나를 다시 조각하기로 결정했습니다. 이 돌의 표면은 첨부된 사진과 같이 알아볼 수 있는 모든 세부 사항을 잃었습니다. 나머지 2개의 돌은 상당히 풍화된 상태이지만, 염분제거와 상부 지역의 물 침투를 방지하기 위한 재지정으로 열화 속도가 느려졌습니다. 이 프로젝트의 주요 목적은 유물의 중요성이 다음 세대를 위해 유지될 수 있도록 기념물 전체를 안정화하고 보호하면서 원래의 사암을 가능한 한 많이 유지하는 것이었습니다.

연구 및 문서:
20년 전 석재 프로그램이 작성한 기록과 상태를 비교하고 미래의 기록을 제공하기 위해 석재의 상태를 매핑하여 측정 도면을 작성했습니다. 기록 보관 전문 사진은 작업 전, 작업 중, 작업 후에 기념비를 기록하도록 위임받았습니다. 다시 조각하는 과정에서 석공들은 원래 기념물과 시드니 버전 사이의 규모와 문체 차이를 조사해야 했습니다. 1748년에 출판된 Stuart와 Revett의 "The Antiquities of Athens"에서 원래의 도면을 측정한 프리즈 스톤 중 하나를 다시 조각하기 위해 언급된 주요 문서입니다.

프로젝트 참여 및 레거시:
요약하자면, NSW의 다른 어떤 공공 기념물도 커뮤니티의 다양한 관심에 도달하지 못합니다. 보존 작업은 주로 프로젝트 선동자인 Patricia와 John Ararias에 대한 열정으로 인해 많은 위대하고 지속적인 커뮤니티 행사와 창의적인 추구의 촉매제가 되었습니다.

Lysicrates Foundation – Dr Patricia Azarias와 John Azarius는 Lysicrates Foundation에서 영감을 받아 Choregic Monument의 보존에 기여할 개인 기금을 모았습니다. 이것이 달성되자 재단은 Griffin Theatre와 연합하여 극작가에 해당하는 Archibald Prize인 Lysicrates Prize를 설립했습니다.

그리스 공동체 – 기념물과 기원전 334년의 연결을 통해 아테네의 Choregic 기념물입니다. John Azarias는 그리스 라디오에서 보존 프로젝트와 Lysicrates Theatre Prize에 대해 인터뷰했습니다.

법률 커뮤니티 – James Martin은 1870년에 기념비 f를 의뢰했습니다. 기념비의 보존은 법률 커뮤니티에서 그가 호주 최초의 수상이자 대법원장이라는 업적을 달성한 데 대해 경의를 표하기 위해 관심을 갖게 되었습니다. 첫 마틴 오레이션은 리시크라테스 재단에 의해 설립되었고 Hon. 2016년 11월 25일 NSW 대법원장 T.F.Bathurst AC(기념 책자 첨부).

Theatre community – Lysicrates Prize는 2015년에 제정되었으며 BC 334년에 건립된 고대 그리스 기념물에서 영감을 받아 매년 연극상인 Archibald Prize for Playwrighting입니다. 그해 대 디오니시아 연극 콩쿠르에서 후원자인 리시크라테스의 우승을 축하하기 위해 아테네에서 개최되었습니다.
이 시드니 이벤트는 우승자 발표를 위한 무대를 제공하기 때문에 매년 최소 500명의 사람들이 모뉴먼트를 찾습니다. Financial Review 기사, 2017년 2월 3일(첨부) 및 Eastside 89.7FM 라디오 인터뷰 http://www.afr.com/lifestyle/arts-and-entertainment/theatre-and-dance/sydney-philanthropists-create-the-lysicrates -상-20170131-gu2c75

Byron Society – 원래 기념물은 1800년대 아테네에 머물면서 기념물 내부에서 시를 쓴 바이런 경과 중요한 관련이 있습니다. 호주 바이런 소사이어티(Australian Byron Society)는 바이런의 생일을 기념하기 위해 기념비(Monument)의 식물원(Botanic Gardens)에서 모임을 개최했습니다.

석조물 보존 – ABC 뉴스에서 보존 완료 사실을 공개했습니다.

2016년 10월 16일 발행. 항목의 중요성과 보존 작업에 대한 교육은 프로젝트의 중요한 측면이었습니다.

노래 ‘The Ballad of Martin and Lysicrates’ – NSW 주지사의 아내인 Mrs Hurley가 작곡하고 2016년 10월 Botanic Gardens의 보전 작업 완료 공개 발표회에서 Mrs Hurley가 불렀습니다.

프로젝트 작업:
재무, 서비스 및 혁신부 장관의 석조 프로그램

심사 위원이 말한 것 :

“조사, 담수화, 재생 및 안정화가 포함된 식물원에 있는 기원전 334년 그리스 기념물의 복제품에 대한 장관의 석조 프로그램의 훌륭한 작업”


유럽과 미국 건축(1750–1900)

이 수업은 1750년에서 1900년까지 건축에서 가장 흥미로운 150년 기간 중 하나를 다룹니다. 다음 지역에서 지진 변화가 발생했습니다.

생활 양식: 이 기간 동안 많은 사람들이 시골에서 도시로 이주했습니다. 영국은 1850년대에 50:50 균형에 도달했습니다. 미국의 균형은 1920년대에 발생했습니다. 이 산업화로 인해 새로운 건물 유형이 만들어졌습니다.

정부: 18세기 후반에 서구 세계는 미국 혁명과 프랑스 혁명이라는 두 가지 거대한 혁명을 겪었습니다. 군주제가 권력을 쇠퇴하고 민주주의 정부가 수립되었습니다.

후원: 종교적이고 귀족적인 후원은 민주주의 정부와 부유하고 자수성가한 개인들에 의해 더 많은 위임을 받았습니다.

기술: 건축 자재, 운송 및 기계의 발전이 이루어졌습니다. 벽돌과 석재와 같은 전통적인 재료는 철 금속(철과 강철)과 유리로 대체되었습니다.

건축가와 디자이너는 건축 자체뿐만 아니라 건축 텍스트, 인테리어 디자인, 발굴 및 도시 디자인에 대한 현대 생활의 요구로 교육을 완화하려고 시도했으며 그 중 일부는 이 강의에서 다룰 것입니다. 이러한 범주의 발전은 궁극적으로 건축 직업을 20세기 현대 건축으로 향하는 길에 돌이킬 수 없게 만들었습니다.

이 수업의 시작점은 학생들이 바로크와 로코코 건축의 경향을 알고 있다고 가정하지만 복습으로 시작하는 것이 합리적입니다.

바로크와 로코코 건축의 상징적인 작품의 이미지가 포함된 슬라이드를 수업에 보여주십시오. 나는 보로미니를 사용하는 것을 좋아한다. 산 카를로 알레 콰트로 폰타네 (로마, 1638-41) 바로크의 예와 Germain Boffrand와 Charles-Joseph Natoire의 살롱 드 라 프린세스, Hôtel de Soubise (Paris, 1736-9) 로코코의 예.

다음 프롬프트 중 일부로 검토를 시작합니다.

  • 바로크와 로코코 건축의 형식적 특징을 설명한다.
  • 후원자들은 누구였습니까?
  • 이러한 작품을 생산한 문화의 지배적인 이데올로기와 가치를 설명하십시오.
  • 그들은 어떤 출처를 보았습니까?

학생들은 이전 강의에서 인식하고 감상하는 법을 배운 바로크 및 로코코 건축의 화려한 특성이 고전적 요소를 비정통적인 방식으로 결합한 자유의 남용으로 인식된 18세기 중반에 비난을 받았다는 사실을 알고 놀랄 수 있습니다. 새로운 자본의 창출과 같은 발명. Looking at these works from a second-half-of-the-eighteenth-century standpoint serves the dual purpose of acting as the segue from last lecture to this one and also setting the architectural stage for the current lecture.

Francesco Borromini’s (1599–1667) San Carlo alle Quattro Fontane is a one example of a Baroque building that—to mid-eighteenth century minds—incorporated too much invention. Constructed for the Spanish order of Discalced Trinitarians, Borromini’s ground plan indicates that the interior space of the church was based on geometry (equilateral triangles, circles, and an oval). The underlying geometry becomes lost among the aspects that mesmerize viewers: the undulating walls, irregularly spaced columns, frequent wall openings, and ornament—all showcasing the freedom with which Borromini used and altered Classical elements—a significant example being the volutes of the composite capitals, some of which curve upwards instead of the traditional down. The sculptural quality of the interior is reflected in the church’s exterior. The façade swells out and in, and areas between columns are filled with niches and sculpture.

Moving forward a hundred years to the Rococo, your students will likely be familiar with Germain Boffrand and Charles-Joseph Natoire’s Salon de la Princesse, Hôtel de Soubise. An oval room on the upper-level, this salon was used by a princess of the Rohan-Soubise dynasty for entertaining. The walls dematerialize, punctuated by windows, doors, and large mirrors. Extensive amounts of gilt ornamentation cover the walls and frames openings.

Themes to stress throughout the lecture include 진전, building type, 재료 그리고 기술.

Background Readings

Henry Flitcroft, The Temple of Apollo, Stourhead, 1765 (Wiltshire, England).

One of the best sources is Leland Roth’s Understanding Architecture: Its Elements, History, and Meaning, second edition (Westview Press, 2007). If you are looking for information on European architecture see Barry Bergdoll’s European Architecture 1750–1890 (Oxford University Press, 2000) and Sir John Summerson’s The Classical Language of Architecture, twentieth printing (MIT Press, 2001). For an explanation of materials, see Harley J. McKee’s Introduction to Early American Masonry (National Trust for Historic Preservation, 1973). This book provides an excellent overview of the tools used to prepare building materials and terminology.

For British Architecture, see Sir John Summerson’s Architecture in Britain 1530–1830, ninth edition (Yale University Press, 1993).

For American architectural history, I recommend a series of survey texts as well as sources that are more focused upon specific artists or structures. Leland Roth’s A Concise History of American Architecture (Harper & Row, Publishers, 1979) provides a standard chronological progression through North American architectural movements. Dell Upton’s Architecture in the United States (Oxford University Press, 1998) is divided into chapters that address American architecture through the lenses of community, nature, technology, money and art.

For Stourhead see their webpage on the United Kingdom’s national trust site.

For the United States Capitol building, see James D. and Georgiana W. Kornwolf’s Architecture and Town Planning in Colonial North America (Baltimore: Johns Hopkins University Press, 2002)—a wonderful text about colonial and early American architecture. Also see Henry Russell Hitchcock and William Seale’s Temples of Democracy: The State Capitols of the U.S.A. (New York: Harcourt Brace Jovanovich, 1976).

For Schinkel’s Altes Museum, see Steven Moyano, “Quality vs. History: Schinkel’s Altes Museum and Prussian Arts Policy,” The Art Bulletin 권. 72, No. 4 (December, 1990), 585–608 James J. Sheehan, Museums in the German Art World: From the End of the Old Regime to the Rise of Modernism (Oxford University Press, 2000) Karl Friedrich Schinkel, 1781–1841: The Drama of Architecture (Art Institute of Chicago, 1994).

For the Gothic Revival, I am indebted to Chris Brooks’ The Gothic Revival (Phaidon, 1999) and Michael J. Lewis’ The Gothic Revival (Thames & Hudson, 2002).

For the Grammar of Ornament see Carole A Hrvol Flores’ Owen Jones: Design, Ornament, Architecture, and Theory in an Age of Transition (Rizzoli, 2006) John Kresten Jespersen, “Originality and Jones,” The Grammar of Ornament of 1856,” Journal of Design History 권. 21, No. 2 (Summer 2008), 143–53 and Stacey Sloboda’s “The Grammar of Ornament: Cosmopolitanism and Reform in British Design.” Journal of Design History 권. 21, No. 3 (Autumn, 2008), 223–36.

For the Skyscraper, I recommend Sarah Bradford Landau and Carl W. Condit’s Rise of the New York Skyscraper, 1865–1913 (Yale University Press, 1996) and Winston Weisman’s “A New View of Skyscraper History” in Rise of an American Architecture. (Metropolitan Museum of Art by Praeger Publishers, 1970).

For Aesthetic Movement architecture, see Andrew Saint’s Richard Norman Shaw (Yale University Press, 2010) Jeffrey Karl Ochsner and Thomas C. Hubka, “H. H. Richardson: The Design of the William Watts Sherman House,” Journal of the Society of Architectural Historians, 권. 51, No. 2 (June, 1992), 121–45 James F. O’Gorman’s “A Touch of Nash: The Williams Watts Sherman House and the Aesthetic Movement.” 19세기 권. 19, No. 1 (1999), 53–9 and In Pursuit of Beauty: Americans and the Aesthetic Movement (Metropolitan Museum of Art, 1986).

For Ecole des Beaux Arts architecture see Christopher Mead, “Urban Contingency and the Problem of Representation in Second Empire Paris,” Journal of the Society of Architectural Historians 권. 54, No. 2 (June, 1995), 138–74.

Content Suggestions

The layout of this lecture is designed to underscore the international and intercontinental spread of architectural ideas. In most instances, I give two examples to illustrate a particular stylistic movement—one European and one American. Optional works are indented underneath to supplement certain topics. I have also included asides about materials and other topics, which can be useful.

In an hour and fifteen minutes, you should be able to cover the following works of architecture:

  • Francesco Borromini, San Carlo alle Quattro Fontane (Rome, 1638–41)
  • Germain Boffrand and Chalres-Joseph Natoire, Salon de la Princesse, Hôtel de Soubise (Paris, 1736–9)

Second Half of the Eighteenth Century:

  • Marc-Antoine Laugier, Essai sur l’architecture (Paris, 1755 first edition 1753)
  • James Stuart and Nicholas Revett, The Antiquities of Athens: Measured and Delineated (London, 1762–95)
    • Choragic Monument of Lysicrates, c. 334 BCE
    • Claude Lorrain, Coast View of Delos with Aeneas (1672)
    • Henry Flitcroft, Pantheon (constructed between 1753-54)
    • Henry Flitcroft, Temple of Apollo (constructed in 1765)
    • Henry Flitcroft, King Alfred’s Tower (designed 1765, constructed between 1769–72)
    • Bristol Cross (a monument from the fifteenth–seventeenth centuries was moved in 1765 from its original Bristol location to Hoare’s park)

    19세기

    • Karl Friedrich Schinkel, Altes Museum (Berlin, 1823–30)
      • William Strickland, Tennessee State Capitol (Nashville, 1845–59)
      • Richard Upjohn, Trinity Church (New York City, 1839–46)
      • William LeBaron Jenney, Home Insurance Building, (Chicago, c. 1885)
      • McKim, Mead, and White, American Safe Deposit Company Building, (New York City, 1882–4).
      • H. Richardson, William Watts Sherman House (Newport, Rhode Island, 1874–6)
      • World’s Columbian Exposition (Chicago, 1891–3)

      Begun in the second half of the eighteenth century and lasting through the early nineteenth century, the Enlightenment did much to affect the path of architecture. Though not a single unified movement, it was founded on the belief in progress and in the power of reason. Recent achievements in science encouraged the notion that, through the acquisition of knowledge and the application of reason social, intellectual, and moral reforms could be affected. The impact of the Enlightenment on the arts took various forms. Some artists paid homage to science, others studied the classical past. The later impacts architecture more acutely.

      By 1750, there was a growing discontent with the gaudy Baroque and Rococo architecture highlighted above. It came under fire for being dishonest, meaning that its sculptural, undulating walls and overzealous ornamentation deceptively hid the building’s supporting construction. Critics thought that these features placed the emphasis in the wrong places and architecture required a much needed return to its primitive origins. This viewpoint was demonstrated in the frontispiece of the second edition of Essai sur l’architecture by Jesuit priest and amateur aesthetician Marc-Antoine Laugier (1713–69).

      The engraved frontispiece of Essai sur l’architecture depicts a classical female figure as the Muse of Architecture, holding a compass, a right angle and reclining on an entablature. The image also includes the Scamozzi Ionic capital (Scamozzi Ionic capitals flare out at the corners when the two sides come together). This Muse directs an infant to a primitive hut, humanity’s first built structure that represents pure, honest architecture. Built of wood—both living trees and cut—the space was created using a limited number of elements: posts (the verticals), lintels or beams (the horizontals), and gabled roof. All of these elements are not decorated.

      This image served as a rallying point to galvanize people to return to a perceivably purer architecture. It should be stated here that Laugier and his supporters did not feel that the only structures that should be built were primitive wooden huts. Instead, they promoted the idea that if a historical source was emulated, it should be from a culture that practiced pure architecture. The older the civilization, the purer architecture they created. Using this logic, Greek architecture was superior to Roman, as Greek civilization was older.

      One publication that did the most to spread an awareness of Greek architecture was The Antiquities of Athens: Measured and Delineated by English architects and antiquarians James Stuart and Nicholas Revett. Conceived during the Enlightenment, when there was interest in ancient cultures, the work was subsidized and published by the Society of Dilettanti (an English group of men who had all partook in the Grand Tour. Sir Joshua Reynolds was a member of the group who painted several portraits of its members). This text is noteworthy for containing the first meticulously measured drawings of ancient Greek architecture, giving the Western world access to their natural architectural perfection. To make the text as accurate as possible, Stuart and Revett spent four years (1751–5) documenting architectural monuments in and around Athens before returning to England to begin the publishing process. Although it was intended to be the first text of its kind, the drawn out publishing process allowed for a Frenchman, Julien-David Le Roy to produce Les Ruines des plus beaux monuments de la Grèce (Paris, 1758) five years before the first volume of The Antiquities of Athens 나타났다. Despite publication delays, and then its gradual release, The Antiquities of Athens’ influence was international and it became a manual (historian James F. O’Gorman uses the word “Bible”) for the “Greek Revival” across Europe as well as in North America, c. 1810s–1840s.

      An illustration from Volume One of the text depicts the Choragic Monument of Lysicrates. Located near the acropolis, this monument was erected around 334 BCE to commemorate an athletic or choral victory. This circular structure is thirteen feet high, made of marble, and around the exterior are six engaged Corinthian columns—some of the earliest of that type. Now lost is a tripod trophy that at one point surmounted the monument.

      A visual and ideological counterpoint to the pursuit of a more pure architectural source is the picturesque landscape garden Stourhead located in Wiltshire, England, the vision of banker Sir Henry Hoare. Designed over decades, Stourhead’s vistas were completely constructed—earth was moved, a lake was formed by damming a local river, and flora was planted. Hoare aimed to make mimic the painted landscapes found in the paintings of French Baroque painters Claude Lorrain and Nicholas Poussin. Indeed, Hoare had collected Lorrain’s Coast View of Delos with Aeneas (1672), which influenced the designs. For example, the garden included bridges and a building with a dome, imitating the Pantheon in Rome, motifs found in Lorrain’s paintings. The winding path through the garden began and ended at the house, leading one around the irregular lake that forms the garden’s centerpiece. Along the way, one was supposed to stop at certain points to admire views and pavilions constructed in differing architectural styles.

      Palladian architect Henry Flitcroft was commissioned to construct several pavilions for Stourhead: the aforementioned Pantheon (constructed between 1753–4), the Temple of Apollo (constructed in 1765), and the triangular 160-foot brick structure King Alfred’s Tower (designed 1765, constructed between 1769-72)—the top of which can be reach through an internal spiral staircase. In 1765, the Bristol Cross was moved from its original Bristol location to Hoare’s park. Over the centuries there has been debate among historians as to how the Virgilian inscriptions on the pavilions should be interpreted, and how that affects in the viewer’s experience in the garden.

      Politically, the full embodiment of Enlightenment ideals was reached during the American and French Revolutions that took place at the end of the eighteenth century and the early part of the nineteenth century. NS United States Capitol (c. 1793–1828, 1851–7, and 1856–63) in Washington D.C. became a beacon to Enlightenment ideas, adhering to the Classical spirit in its architecture’s revolutionary Neoclassical style. The federal building was envisioned as a seventeen-room brick building that would house the legislative branch of government.

      The fact that the U.S. Capitol was originally envisioned as a brick building may come as a surprise for students, who by this time are used to seeing European architecture constructed of fine stone. At the turn of the nineteenth century, American architects and builders were still uncomfortable and quite untrained in using this material. The lack of confidence architects and builders had for building stone was balanced by their assurance in using brick. Brick’s flexible recipe, permanence, and skill requirement allowed it to used across American in building construction. On the eastern seaboard, it was a material that that been in use since 1618 (the first brick building was the Fourth Jamestown Church—Jamestown was founded in 1607).

      As time progressed, other functions were added to the Capitol, such as Washington’s tomb and setting aside a space for the Supreme Court. In initial submissions, American gentlemen architects/builders failed to create adequate elegant and monumental forms that would define the nation’s new building type. President Washington called them ‘dull.’ Ultimately, the chosen design was a synthesis of competition submissions, which had referenced many aspects of other state houses, namely: a portico, a dome, a central public space, and the two houses opposite one another.

      Despite having many different creators (William Thornton, B. H. Latrobe, Charles Bulfinch and Thomas U. Walter—who were a mixture of professional and gentlemen architects), the Capitol’s various parts are united in the Neoclassical style, with the focal point being Walter’s dome (1856–63), modeled after the Pantheon. Construction of the Capitol pushed American builders out of their material comfort zones. Originally proposed as a brick structure, it was decided that ashlar masonry should be used for the exterior. For the vaulting, Thomas Jefferson wanted to use wood, but Latrobe pushed for masonry. Decades later, builders were pushed to their technological limits using a new material—iron, both cast and wrought—to create the Capitol’s famous dome.

      Nineteenth century architecture is memorable for its quick succession of historical revival styles, including the Greek Revival, the Gothic Revival, and the Queen Anne Style (a.k.a. the Aesthetic Movement), as well as introducing some major architectural publications and new building types. I hope to give a sense of the complexity of the nineteenth century architectural situation by highlighting select architectural examples, architectural texts, and new building types.

      The Greek Revival

      The facade of Karl Friedrich Schinkel’s Altes Museum in Berlin is a prime example of Greek Revival architecture. The museum is a large box with eighteen fluted Ionic columns in front, surmounted by a smaller box. The building’s sheer breadth—it takes up almost the whole width of the northern end of the Lustgarten (Pleasure Garden)—and its façade, distilled to vertical and strong horizontal elements (arches are a feature synonymous with Roman architecture), are the more primitive/pure Greek architectural characteristics to which Schinkel alluded. The most direct visual source would be the Athenian stoa poikile, the ancient covered colonnade in the agora.

      This building did much to revitalize the heart of the city. First, by placing the museum at the north end of the Pleasure Garden, Schinkel inevitably elevated the art museum’s position in society because it took its place among three other important buildings: the Royal Palace, the Cathedral, and the Arsenal. Second, Schinkel carefully controlled the viewing experience of this building. Around 1830, one approached the Altes Museum from Berlin’s main boulevard Unter den Linden (“Under the Linden Trees”—the boulevard was lined with them). Down the street, the Royal Palace anchors the viewer’s vista. As one approached the palace the trees would frame a view of the Cathedral. Upon crossing the bridge and entering the southern end of the Pleasure Garden, the view of the Altes Museum would finally be visible.

      Internally, Schinkel forcefully argued for the rotunda, a space he felt would prepare visitors to experience the building and view works of art.

      Schinkel’s Altes Museum façade conveyed his understanding of the principles underlying the pure linear forms of Greek architecture. Other architects opted for a more direct quotation of Greek architecture.

      In the United States, a fine example of Greek Revival architecture is William Strickland’s Tennessee State Capitol (Nashville, 1845–9). Well-trained (Strickland was trained by B. Henry Latrobe, whom we met above with the U.S. Capitol) and well-traveled (Strickland went to Europe in 1838, traveling through England, France, Italy and Germany. Images from his European sketchbook have been made available online at the Tennessee Virtual Archive “William Strickland Sketchbook”.), Strickland demonstrated his broad working knowledge of historic architectural sources in the Tennessee State Capitol.

      In the Capitol, Strickland referenced a different order (Doric, Ionic, Corinthian) in each main section of the building. Working from the ground upwards, the Capitol had a Doric basement, Ionic porticos, and a Corinthian tower. The Erechtheum (the Acropolis, Athens, Greece) inspired the Ionic porticos, and Strickland used plates of the Choragic Monument of Lysicrates found in The Antiquities of Athens as inspiration for the lantern for his building. Strickland modified the forms of the ancient original with windows to suit modern needs.

      The Gothic Revival

      The Gothic Revival began in Britain and spread internationally and across continents. Arguably the greatest monument to the Gothic Revival is the New Palace of Westminster, better known as the Houses of Parliament (London, 1835–68).

      The Old Palace of Westminster was almost completely destroyed by fire in 1834. On August 18, 1835, a Royal Commission was issued to rebuild the Palace and debate ensued over its appropriate style. Two main camps emerged: Neoclassical versus Gothic. Those in favor of the Neoclassical style supplied evidence such as the style’s popularity and its successful track record in high profile public commissions, such as the United States Capitol. Those who felt that the Gothic would be more appropriate supported their case with the following concepts that would be best articulated by A.W.N. Pugin, in his books Contrasts (1836) and True Principles of Pointed or Christian Architecture (1841):

      • Harmony/Fitness: It was believed that there exists a connection between culture and architectural expression. The Gothic style surfaced during the medieval ages. The architecture produced was viewed as being perfectly in harmony to its needs. During the Gothic Revival, it was hoped that if buildings were constructed in that earlier style that it might resurrect some of the sentiments and the harmony perceived as missing from modern society.
      • Nationalism/Patriotism: At this time it was believed that each culture creates its own distinct style that suits its culture and climate. In the nineteenth century, Gothic architecture was perceived as being an indigenous English style, it would be only natural to draw upon England’s own architectural heritage and not an imported style from the southern European continent. Neoclassical architectural style would further be unsuited to England as it is an architecture produced for its milder Mediterranean climate and would be unsuited to the weather conditions of the north.
      • Function/Honesty: Gothic architecture was viewed as being an honest form of architecture, in which everything included contributed to its construction. Gothic ornament was judiciously placed to enrich and accent structural lines.

      In the end it was decided that architects submit designs in either the Gothic or Elizabethan style. Architect Charles Barry (1795–1860), best known for his classical and Italianate designs, submitted the winning design. Because of his more classical specialty, he employed the talents of A.W.N. Pugin, the vociferous Gothic revivalist mentioned above. The workload between the two men was neatly divided, Barry designed space and structure and Pugin designed the ornament and the interiors.

      Barry’s design was successful for multiple reasons. First, the Houses of Parliament was built on the site of the Old Palace of Westminster and successfully integrated the surviving structures (Westminster Hall and St. Stephen’s Chapel) into the new building complex. Second, Barry created a harmonious—though slightly asymmetrical picturesque—exterior by balancing the horizontal and vertical lines.

      The exterior’s recognizable sand-colored limestone came from Anston Quarry in Yorkshire. This particular stone was selected for its cost effectiveness and because it is a sedimentary rock, it could be easily manipulated. In the twentieth century, parts of the building in which the stone had eroded significantly were replaced with a honey-colored limestone from Medwells Quarry in Rutland.

      Third, Barry’s classical training strongly influenced his logical arrangement of rooms and courtyards, which he based around the classical system of repeating modules. This can best be appreciated by viewing a floorplan of the structure. Four branches of the building radiate out in the cardinal directions: north, south, east and west from a centrally located octagonal lobby. Barry placed the Throne room (located in the House of Lords), the House of Lords, and the House of Commons in line with one another, a subtle underscoring of the line of power in the English government. Pugin designs for the interiors included furniture, tiles, stained glass, and metal work. His most sumptuous decoration appears in the House of Lords, where seemingly every square inch is encrusted with medieval-inspired decoration.

      Switching to the United States, architects such as Richard Upjohn’s used Pugin’s books as a manual to design Gothic Revival buildings like Trinity Church (New York City, NY, 1839–46). Trinity Church was one of the most noteworthy commissions executed in America in the Gothic Revival style. In Trinity Church, one sees a shift occurring in American taste from the Classically inspired to the Gothic and Picturesque. Trinity Church espoused the ideals from leaders of the English Gothic Revival, and Upjohn based its design on an illustration of an “ideal church” from Pugin’s True Principles. Upjohn tweaked several aspects of Pugin’s design to accommodate American building methods and the site such as the vaulting, the pitch of the roof, and the chancel. Longitudinal in plan and made of brownstone masonry, the church was not as elaborately decorated as it could have been.

      The Grammar of Ornament

      Owen Jones’ Grammar of Ornament (London, 1856) is a design manual that has inspired countless generations of architects and designers. Conceived during era of English design reform, the Grammar of Ornament became Jones’ aesthetic treatise. NS Grammar of Ornament contains Jones’ 37 propositions (principles) of design, nineteen chapters dedicated to historical types of ornament, and a single chapter dedicated to the common denominator behind all ornament—nature appeared in 100 chromolithographed plates, in which there were 1,000 cropped illustrations ornament, which removed any hint of an original context.

      The quality of the lithographic plates is one factor that made the Grammar of Ornament famous. The content of the Grammar of Ornament appealed to architects, designers, and reform design thinkers, as John Kresten Jespersen writes, “for a century (after its publication), almost every architect’s office had a copy of the Grammar of Ornament.” The intent of this publication was not to give architects, ornamentalists and designers a template from which to copy in their work, rather to allow individuals to absorb lessons from the past and apply this information to the ornament that would suit modern life.

      The Skyscraper

      The skyscraper is an American invention. Created in the second half of the nineteenth century and refined throughout the rest of the nineteenth and early twentieth centuries, skyscrapers—from the very beginning—have been symbols of commerce and prestige. The skyscraper is the first instance where the architectural story begins in America and then spread overseas. Scholars agree that a skyscraper must contain three features:

      • Significant Height: (more vertical than horizontal) This building type was created to suit the need for increased building space in major urban areas, the two most important of which were New York City and Chicago. The scarcity and the cost of land in these and other urban areas forced architects to build in only one direction—upwards.
      • Passenger Elevators: As human beings are usually opposed to walk up more that five flights of stairs, the incorporation of passenger elevators were a blessing. Elevators made each and every floor just as easily accessible and rentable, enabling building to be higher.
      • Metal Frame: Iron’s popularity increased in the middle of the nineteenth century as architects discovered its potential in building construction. Iron was used two ways in architecture: cast and wrought. Cast iron was a strong metal, capable of carrying great weights by compression. Major flaws of cast iron included its brittleness in terms of ductility as well as the irregularity of its compositional makeup. Wrought iron was not as strong as cast iron, but had an advantage in that it could assume any number of shapes. The combination of cast iron posts and more extensive wrought beams revolutionized the way in which architects envisioned structure and space.

      In short, iron allowed architects to build taller and span wider distances than ever before. In other words, advancements made in skyscraper height are closely tied to advancements in building technologies that supported them. Beginning in the 1880s, the more expensive and specialized product, steel began to replace iron as the preferred structural building material (as it contained the same/or increased strength of cast iron and the ductility of wrought iron). In the 1880’s, the first architects made the switch from iron to steel.

      The earliest example of a skyscraper may surprise you. Noted authorities Weisman and Condit concur that Gilman, Kendall & Post’s Equitable Life Assurance Company Building (New York City, 1868–70 destroyed) is the first skyscraper, since it was the first building that was designed and built containing all three of the aforementioned skyscraper features. Our twenty-first-century eyes, accustomed to seeing skyscrapers as enormous structures built of a curtain of metal and glass, would likely not recognize Equitable Life Assurance Company Building as an early descendant. This lost structure (for which no plans survive) is known only through images and building records. At 130 feet in height, this building was not significantly taller than surrounding commercial buildings. Yet, the conscious incorporation of the elevator transformed commercial architecture, as it allowed all eight stories to be easily reached, and therefore easily rentable.

      Architects cloaked the Equitable’s iron skeleton in the only way they knew how: with a grey-granite masonry, arranged with tiers—separated by entablatures—and capped with a hipped roof. In images the structure has a very Second Empire appearance, a style believed to be chosen for its ability, given Haussmann’s opulent Paris, to signify stability and prosperity. From the very beginning, skyscrapers served as office buildings. Throughout the later nineteenth century architects worked to give a characteristic facade to the skyscraper. Two major trends emerged: “wild work” and the Italian Renaissance palace, which can easily be illustrated with noteworthy period examples.

      In Chicago, William LeBaron Jenney’s Home Insurance Building, 씨. 1885 is an example of “wild work.” “Wild work” was a descriptor used by eminent late-nineteenth century architectural critic Montgomery Schuyler to refer to facades like this one. What Schuyler found wild, or mind-boggling, about this building was the ways in which the horizontal and vertical lines were constantly interrupted. The Home Insurance Building is also noteworthy as it was the first building to use steel construction.

      In New York City, the firm of McKim, Mead, and White gravitated towards a three-part skyscraper façade, evident in the American Safe Deposit Company Building, (1882–4). This building’s three parts (basement, shaft, and third tier of space at the top) are neatly defined. Three-part façade divisions like this inspired critic Montgomery Schuyler (who we just met above) in 1899 to liken such surfaces to the three parts of a classical column: base, shaft, and capital. Over the years, Schuyler’s metaphor has been applied to, and used to explain numerous facades, and has mutated to become the accepted explanation, but is wrong. This type of façade was inspired by Italian Renaissance Palaces such as the tripartite façade of the fourteenth/fifteenth century Palazzo Davanzati, which likewise has a basement, a shaft, and a third tier of space at the top–complete with an order in the loggia. The tripartite formula became a popular pattern used by architects across the nation such as Daniel H. Burnham & Company’s Flatiron Building (New York City, 1901–3). Even two-decades after this façade pattern had been first implemented, it had yet to fall out of style.

      The Aesthetic Movement

      Aesthetic Movement architecture (which is usually called the Queen Anne Style) began in England in the 1860s and then came to America in the 1870s. It was largely used as a secular architectural style, which some critics considered to be a major flaw (since it did not transition into sacred commissions). This style was characterized by its freedom, especially in color, picturesque, and asymmetrical design, and complex ornament. One of its greatest practitioners was R. Norman Shaw and one of the most famous buildings was the New Zealand Chambers Building (London, 1871–3 destroyed), an office building. Shaw used architectural elements to break up flat surfaces and shatter the light across the exterior of this building. The tendency to create highly textured facades would become a feature associated with Aesthetic Movement architecture on both sides of the Atlantic.

      H. Richardson’s William Watts Sherman House (Newport, Rhode Island, 1874–6 and numerous additions) was one of America’s earliest Aesthetic Movement architectural works. Most Americans would be introduced to the other aspects of the Aesthetic Movement at the Centennial Exposition in 1876. The Sherman Residence was a combination of established and innovative architectural features. The established features included the asymmetry (attempting to break the box) of early nineteenth century homes. The innovative feature was a new form of space—the living hall. The Sherman House’s living hall stretched the depth of the building and contained a hearth and a massive staircase. A variety of rooms (public, private, servant quarters) radiated off this living hall which produced an irregular floorplan.

      The irregularity of the floor plan was expressed in the asymmetry of the façade’s exterior. Within the gables Richardson created the silhouette of a saltbox house. The inclusion of this profile is noteworthy as Richardson revived a distinctive aspect of American colonial architecture. Additionally, on the facade, Richardson varied surface texture, allowing light to break apart on the surface, causing a scintillating effect. Inside, a selection of decorative objects—such as art glass—further underscored the philosophy of the Aesthetic Movement.

      Second Empire Paris and Ecole des Beaux Arts Classicism

      Charles Garnier’s Paris Opera House (Paris, 1862–75) is a building about spectacle. A grand structure, it was one of many that fit into Baron Haussmann’s revitalization of urban Paris. The Opera’s spectacle begins with its location. Built on its own island, it is approachable from several streets and the major Avenue de l’Opera, terminating in its own Place (a plaza or square). Though one may be distracted from the shear amount of ornament on the façade, the exterior overlooking the Place can be distilled into a podium-like arcaded base, atop which Garnier placed a colonnade. This colonnade was a recognizable variation of the two-part façade that Bramante’s House of Raphael popularized back in the Italian Renaissance, now quite popular in Paris. Garnier proceeded to adorn this classical façade with sculptural accents for which he employed some of the finest artistic talents in Paris—such as Jean-Baptiste Carpeaux, who sculpted 그 춤.

      The building’s entrances were designed to accommodate the societal needs of different opera-goers, from the Emperor to the bourgeois. Once inside, the spaces Garnier created is the mark of the classical training regimen of the Ecole des Beaux Arts, the institution that taught Garnier. The spacious lobbies, wide staircases, and sumptuous veneered surfaces served as dramatic platforms and backdrops to an environment designed for people to see and be seen. Underneath these elaborate surfaces, the Opera’s structure made use of the latest advancements in iron construction. Inside and out, this building makes use of Classical sources.

      Although there were almost 200 structures built for the World’s Columbian Exposition (hereafter WCE—Chicago, 1891–3), the fair became a dialectic of two courses in American architecture, Ecole des Beaux Arts classicism (evident in the architecture of the Court of Honor) and Picturesque/Aesthetic Movement (evident in the architecture surrounding the Lagoon). In America, leading up to the WCE, picturesque traditions such as the Aesthetic Movement—with their colored, asymmetrical, and scintillating surfaces—were popular.

      For example, Louis Sullivan’s predominantly red and gold Transportation Building extended this visual tradition to the WCE. In contrast, the majority of the main fair structures were constructed in the tradition taught at the Ecole des Beaux Arts in Paris. These fair buildings were unified by their coloring (white), classically inspired architectural elements, unified cornice line (65’), and axial symmetry. Beaux Arts classicism had such an effect on fairgoers that it would become the favored architectural style in America for the next several decades.

      The differences between these two architectural vogues were further underscored in the WCE’s landscaped environments, designed by landscape architect Frederick Law Olmsted. Olmsted’s landscape architecture for the Court of Honor was a well proportioned symmetrical basin in perfect tandem with the balanced (all buildings had a 65’ cornice line) and symmetrical Ecole des Beaux Arts classicism surrounding it. For the lagoon area, Olmsted designed an irregularly shaped lagoon, in the middle of which was a wooded island with picturesque trails.


      비디오 보기: 프라하여행코스 2편에서 소개해 드린 고딕양식의 진수를 보여주는 카를교입니다. 구트의 여행코스 #shorts (칠월 2022).


코멘트:

  1. Shae

    나는 그것이 무엇입니까 - 거짓 방법입니다.

  2. Veto

    아주 멋져.. 나는 이것들을 좋아한다

  3. Broc

    이것은 협약이다



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