아이콘


Jean Pierre Fava가 작성하고 Mgr이 친절하고 참을성 있게 검토한 기사. 엠디나 메트로폴리탄 대성당 박물관 큐레이터 에드가 벨라 박사.

유럽, 북아프리카, 중동의 교차로에서 몰타는 지중해 문명의 요람일 뿐만 아니라 수세기에 걸쳐 유럽의 정체성이 계속해서 구축된 결정적인 시나리오 중 하나였습니다. 그리스인에서 로마인에 이르기까지, 노르만인과 무어인을 거쳐 많은 사람들이 몰타 군도를 통치하려고 했지만 결국 자랑스러운 현지인들에게 패배했습니다. 오늘날 많은 기독교 유적지는 섬의 다문화 과거와 현재를 반영하여 방문객들에게 기독교 메시지의 보편성을 진정으로 엿볼 수 있게 합니다., 그리고 몰타의 풍부한 역사와 특히 뿌리 깊은 믿음에 대해.

사실, 몰타 섬의 마리아 신심 초기 기독교로 돌아가다. 어떤 사람들은 사도행전의 성서 책에 나와 있는 것처럼 그 섬에서 바울의 유명한 난파선까지 거슬러 올라갈 수 있다고 제안합니다.

신약성경이 예수의 모습에 대해 거의 언급하지 않는다는 것은 잘 알려진 사실입니다. 사도들의 모습에 대해서도 아무 말도 하지 않습니다. 마리아도 마찬가지입니다. 그녀의 외모에 대한 자세한 내용을 제공하는 사도 시대의 기독교 경전은 단 한 개도 없습니다. 그렇다면 예술가들이 그리스도교의 초창기부터 자신의 메시아나 다른 인물을 묘사해야 할 때 자신의 기독교 공동체의 서면 증언에 의존하지 않고 그 시대의 다양한 예술적 정경에 의존했다는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 중요한 것으로 간주되며 아이콘이나 프레스코로 표시될 수 있습니다.

전승에 따르면 그 초기 예술가 중 한 명은 복음서 중 하나를 저술한 의사이기도 했으며 사도적 여정 동안 바울의 서기관이자 동반자가 되었다고 합니다. 루크 그 자체. 동방 교회는 그를 복되신 동정 마리아의 첫 번째 성화를 "기록"하는 책임이 있는 최초의 "도상학자"로 간주합니다.. 사실, 누가는 바울과 함께 여행을 하고 있었는데 그들이 몰타 북서쪽 해안에서 난파되어 그곳에서 항해할 수 없는 겨울을 보냈습니다. 몰타 군도에 있는 루크의 존재는 역사적 유물과 구전 전통이 이 섬들 전체에 퍼진 초기 마리아의 헌신의 증거를 제공하는 이유를 설명할 수 있습니다.

더욱이 누가는 전통적으로 기독교에 대한 최초의 마리아적 이미지의 저자로 인정받았을 뿐만 아니라 그의 복음서는 모든 것 중 단연코 가장 마리아적이며 나중에 완전한 마리올로지 신학적 발전으로 성장할 씨앗으로 가득 차 있습니다. 몰타의 전통에 따르면 누가가 섬 주민들에게 구주의 어머니에 관해 이야기했을 가능성이 있다고 주장합니다. 여기에서 몰타의 전설적인 마리안 아이콘 컬렉션을 소개하고자 합니다.

1.- Mellieha National Marian Shrine의 Hodegetria

Hodegetria - Atelier del Restauro의 의례

전통에 따르면, 자주색 옷을 입고 아기 그리스도를 무릎에 안고 있는 성모님의 이 움직이는 이미지는 주후 60년에 누가가 성 바오로와 함께 몰타에 도착했을 때 바위에 직접 그렸습니다. 미술사가들의 최근 평가에 따르면 현재 버전의 아이콘은 13세기로 거슬러 올라갑니다.. 벽화의 스타일은 비잔틴 도상학의 고전적인 특징을 보여줍니다. 복되신 동정 마리아는 왕족(보라색)의 옷을 입고 자랑스러운 눈으로 보는 이를 바라보고 있는 위엄 있는 모습으로 묘사되어 있습니다. 그녀의 이마에 있는 꽃은 그녀의 처녀성의 상징으로 서 있고 그녀의 손가락은 구원의 근원이신 아기 그리스도를 가리키고 있습니다. Virgin Hodegetria("길을 보여주는 성모")로 알려진 이 그림 배열은 11세기와 12세기에 비잔틴 시대의 마리아 아이콘의 전형이었습니다. 이 아이콘은 생성 이후 1990년 이 아이콘 앞에서 기도한 것으로 유명한 교황 요한 바오로 2세를 포함하여 전 세계 순례자들을 매료시켰습니다. 20개의 다른 마리아 사당과 함께 멜리에하 국립 사당은 현재 유럽 마리아 네트워크의 일부입니다. 이 장소와 이 성화를 수용하는 동굴 교회에서 기독교 관습이 현재의 13세기 시쿨로-비잔틴 성화보다 훨씬 더 앞서 있었을 가능성이 매우 높습니다. 실제로 한 전통에 따르면 서기 409년에 많은 가톨릭 주교들이 신성한 동굴을 방문하여 교회로 봉헌했다고 합니다. 이것은 축복받은 동정녀가 테오토코스(Theotokos, 그리스도 하느님의 탄생 – 라틴어로 Mater Dei)로 보편적으로 인정되고 찬사를 받았던 서기 431년의 에베소 공의회와 매우 가깝습니다. 따라서 Mater Dei의 현재 아이콘이 이 신성한 장소에서 처녀의 첫 번째 아이콘이 아닐 가능성이 있습니다.

*Mellieha의 성모상: 다학문 보존 프로젝트를 통한 여정, Valentina Lupo 및 Maria Grazia Zenzani(Aletier del Restauro Ltd.). 몰타의 보물 No. 67 2016 크리스마스, 23권, 1호.

2.- 음디나 메트로폴리탄 대성당의 성 루크의 성모 마리아

성 루크의 마돈나 | 엠디나 메트로폴리탄 대성당 제공. 조 P. 보그의 사진

몰타의 옛 수도인 음디나에 있는 성 바오로 메트로폴리탄 대성당에서 안고 있는 아기 예수를 안고 있는 동정녀를 묘사한 이 아이콘은 그 이름은 1세기에 성 루가가 저작했다는 오랜 믿음에서 비롯되었습니다. 하지만, 미술사가들은 이제 그것이 기독교 역사의 후기, 아마도 중세 시대로 거슬러 올라간다는 데 동의합니다. 대성당에서의 그것의 존재는 적어도 1588년으로 추적될 수 있습니다. 이 아이콘은 지역 신자들에게 중요한 역할을 했습니다. 마돈나와 아이는 또한 대공성전 승리에 대한 감사의 의미로 음디나에서 행진하는 동안 매년 운반되었습니다. 1604년에 지역 주교 Gargallo는 그것을 대성당의 주요 제단에 놓기로 결정했습니다. 그는 또한 복되신 동정 마리아와 그녀의 아기 예수의 얼굴만 보이도록 은박판으로 덮었습니다. 가르갈로의 명령은 1615년까지 이 성상이 성 바오로의 대폴리티크 아래 주 제단에 서 있었기 때문에 정식으로 집행되었습니다. 1618년 칼리아레스 주교는 1634년 기록에 따르면 당시 성모 마리아 '델 소코르소'에게 봉헌된 특권 제단에 성체를 두는 것이 현명하다고 생각했고 성 루크 마돈나가 이 제단에 처음 등장했습니다. 목회 방문. Mdina에 있는 대성당에 대한 최초의 언급은 1299년으로 거슬러 올라갑니다.* 그러나 현재의 바로크 대성당은 시칠리아와 몰타를 강타한 지진으로 오래된 대성당이 심각한 피해를 입은 후 17세기 말에서 18세기 초 사이에 지어졌습니다. 1693년에. 일단 새로운 대성당 교회가 세워졌을 때, 이 귀중한 아이콘은 주교 Cagliares에 의해 할당된 것과 동일한 지배적 할당을 유지했습니다. 그것은 그 이후로 그것이 남아있는 성찬 예배당의 제단에 놓였습니다. 1898년 교황 레오 13세는 "성 루크 마돈나"의 공식 대관식을 승인했습니다.

* AD 592년에서 599년 사이에 교황 그레고리우스 대제가 몰타의 주교 루실루스에게 보낸 편지는 몰타에 이미 자체 교회와 주교가 있는 완전한 기독교 공동체가 있었음을 보여줍니다. 전통에 따르면 세인트 폴이 난파되어 몰타에 머문 후(서기 60년) 로마 총독 푸블리우스가 몰타의 첫 번째 주교가 되었습니다.

3.- 그리스 가톨릭 교회의 마리아 성상

다마스키니 | 몰타에 있는 그리스 가톨릭 교회의 의례

"다마스쿠스의 성모"(Damaskinì – 몰타에서는 Damaxxen으로 알려짐)의 12세기 아이콘과 "자비의 성모"(Eleimonitria)의 14세기 아이콘 이슬람의 침략 이후 그리스의 로도스 섬에서 탈출한 기독교 난민들에 의해 몰타로 옮겨졌습니다. 여기에서 두 아이콘은 다마스쿠스 성모 마리아의 그리스 비잔틴 가톨릭 교회에서 안전한 피난처를 찾았습니다. 두 아이콘 모두 황금색과 짙은 자주색인 시리아 아이콘의 전형적인 색 구성표를 표시하며 왼팔에 아기 그리스도를 안고 있는 동안 시청자의 눈을 똑바로 바라보고 있는 복되신 동정 마리아를 묘사합니다. 그러나 Eleimonitria는 항상 Rhodes의 자체 교회에 있었던 것 같습니다. 다른 한편으로, 더 오래된 아이콘은 원래 다마스쿠스(시리아)에서 숭배되었는데, 그 곳에서 그 이름을 따왔습니다. 그것은 1475년에 기적적인 상황에서 로도스에 도달했다고 합니다. 처음부터 Damaskinì는 다른 경이로운 아이콘인 Eleimonitria와 밀접하게 연관되어 있었습니다. 예를 들어, 터키인이 1522년 로도스를 포위했을 때 안전을 위해 두 개의 아이콘이 성벽 안에 있는 성 데메트리우스 교회로 옮겨졌습니다. 성 요한 기사단은 지역 몰타 사람들과 마찬가지로 두 개의 신의 어머니 아이콘을 큰 존경으로 지켰습니다. NSrand Master Jean Parisot de la Valette는 특히 열렬한 신봉자였으며 특히 1565년 대공성전 기간 동안 다마신 성상 앞에서 정기적으로 기도했습니다. 포위 공격이 시작되자 감사한 그랜드 마스터는 그리스 교회(당시에는 비르구(Birgu)에 있었고 대공성전 승리의 이름을 따서 비토리오사(Vittoriosa)라고도 불림)의 성모상 앞에서 기도하고 모자와 칼을 봉헌물로 바쳤습니다. 감사의 몸짓. 1832년 이래 그리스 교회가 발레타에 있음에도 불구하고 그들은 여전히 ​​거기에 매달려 있습니다.

엘리오미트리아 | 몰타에 있는 그리스 가톨릭 교회의 의례

*Borg V., 다양한 Marian Devotions – The Damascena. 세인트 폴 섬의 마리아 신심. 1983. 역사학회 1983

*Buhagiar M., 그리스 가톨릭 교회의 다마스쿠스 성모, Valletta, Malta 기적을 행하는 아이콘의 공동 숭배. 몰타대학교 예술사학과

4.- 필레르모스의 복되신 동정녀(몰타의 검은 성모님)와 성 요한 공동 대성당의 카라파 성모상

필레르메의 복되신 동정녀 | 마엘 브레이즈 | 공개 도메인 CC BY-SA 3.0

발레타의 장엄한 성 요한 공동 대성당에는 필레르모스의 성모 예배당(일명 파나기아 필레무, 필레르메의 복되신 동정녀와 몰타의 검은 성모), 필레르모스의 성모상을 모시기 위해 지어졌습니다. 이 예배당은 성체성사 예배당이기도 합니다. 이 아이콘은 로도스에서 패배하고 추방된 후 오늘날 몰타의 주권 군사 기사단(S.M.O.M)으로 알려진 Hospitallers(성 요한 기사단)에 의해 몰타로 옮겨졌습니다.. 전통에 따르면 이 아이콘은 성지에서 돌아온 순례자가 로도스로 가져왔다고 합니다. 성 요한 기사단은 두 개의 신성한 이미지를 가장 신성한 유물로 여겼습니다. 예루살렘이 함락될 때 터키 술탄이 그랜드 마스터에게 선물한 성 요한의 손과 필레르모스의 성모님. 기사들은 이 아이콘을 기적이라고 생각했습니다. 필레르모스의 마돈나는 1307년 로도스에 정착한 이후 수도회에서 숭배를 받았습니다. 1798년 몰타가 나폴레옹에게 항복하자 파나지아 필레브르무는 귀중한 장신구를 박탈당하고 옴페쉬 그랜드마스터를 따라 망명하게 되었습니다. 오늘날 성체 예배당에는 또 다른 영광스러운 아이콘이 있습니다. 바로 은을 입힌 카라파 마돈나의 이콘으로, 매년 12월 8일 원죄 없으신 잉태일에 행렬에서 운반됩니다.. Caraffa Madonna는 Prior Fra Girolamo Caraffa에 의해 수녀원에 기증되었습니다. 원래 배치는 이탈리아 랑그 예배당에 있는 성 카트린느 대관식의 마티아 프레티(Mattia Preti) 제단 위에 있는 톤도였습니다. Caraffa Madonna는 1798년 필레르모스의 성모 마리아가 철거된 후에야 필레르모스의 성모 성당으로 이전되었습니다.

카라파 마돈나 | 몰타 대교구의 의례

몰타를 떠난 후 이 아이콘은 기사단의 그랜드마스터로 선출된 러시아의 차르 파울 1세에게 주어졌습니다. 1917년 러시아 혁명 동안 이 아이콘은 러시아에서 반출되어 Czarina Maria Feodorovna에게 주어졌으며 그녀는 죽을 때까지 그것을 보관했습니다. 다른 우여곡절 끝에 그것은 러시아 정교회 성직자들에 의해 유고슬라비아의 알렉산더 왕에게 위임되었고 베오그라드에 보관되었습니다. 1941년 독일의 침공 당시 수도에서 옮겨져 몬테네그로로 옮겨졌다. 그 후 모든 흔적이 사라진 것 같습니다. 최근에는 몬테네그로에서 추적되어 국립 박물관에 보관되어 있습니다. 독일군이 진격하면서 이 아이콘은 수도원에 맡겨진 것으로 보인다. Tito의 통치 기간 동안 경찰은 그것을 손에 넣고 베오그라드로 가져갔습니다. 결국 정부는 그것을 몬테네그로로 반환하기로 결정했고 오늘날에도 국립 박물관에 보관되어 있습니다..

5.- 승리의 성모 예배당에 있는 승리의 성모 아이콘

승리의 성모 | Din l-Art Helwa 재단 제공, 몰타

몰타의 수도 발레타에 있는 승리의 성모 교회에서 출처를 알 수 없는 비잔틴 아이콘을 찾을 수 있습니다. 전통에 따르면 그것은 Grand Master Adolf de Wignacourt(1601-1622 AD)에 의해 교회에 주어졌다고 합니다. 아이콘은 섬세하게 칠해진 구리 표면과 미세하게 새겨진 은색 리자가 있습니다. 이 교회는 1565년 대공성전에서 이슬람 침략자들과 싸우는 데 도움을 주신 성모 마리아께 감사하기 위해 1567년에 세워졌습니다. 교회는 1566년 3월 28일 신도시 발레타의 초석을 놓기 위한 종교 의식이 거행되었던 자리에 세워졌다. 세인트 존 기사단. 1568년 8월 21일, 자신의 주머니로 이 교회를 지을 자금을 조달한 장 파리조 드 라 발레트(Jean Parisot de la Valette, 1495-1568 AD)가 세인트폴 만에서 사냥을 하던 중 심한 일사병으로 사망했습니다. 원래 그는 사랑하는 교회에 묻혔지만 나중에 그의 유해는 성 요한 수녀원 교회의 지하실에 묻혔습니다. 1716년에 몰타의 예술가 Alessio Erardi는 Grand Master Ramon Perellos y Roccaful의 의뢰를 받아 아치형 천장에 복되신 동정 마리아의 생애를 묘사한 장엄한 장면을 그렸습니다.


아이콘 아트

아이콘("likeness" 또는 "image"에 대한 그리스어 용어에서 유래)은 동방 정교회의 전통에서 기원한 가장 오래된 유형의 기독교 예술 중 하나입니다. 일반적으로 그들은 그리스도, 성모 마리아 또는 성도를 묘사하는 소규모 경건한 패널 그림입니다. 동방 정교회 신자들(예: 그리스, 러시아, 우크라이나, 터키)에서는 모든 가정에서 그림이 그려진 성화를 볼 수 있었고 교회의 필수적인 장식 요소로 여겨져 특별한 전례적 숭배를 받았습니다. 사실, 비잔틴 콤네니아 시대(1081�) 이후로 아이콘은 신학적 가르침의 매개체로 사용되었습니다. 아이콘 정체 - 제단과 회중 사이에 있는 돌, 나무 또는 금속의 정통 스크린 - 여기에는 성경의 그림 장면을 묘사하는 다양한 아이콘이 부착됩니다. 실제로 정교회 내부는 종종 이러한 형태의 종교 예술로 완전히 덮여있었습니다. 비잔틴 미술(c.450-1450)과 약간 후에 러시아 미술(c.900 이후)과 밀접하게 일치하는 아이콘은 오늘날 특히 동방 정교회, 동양 정교회 및 콥트 교회에서 여전히 사용되고 있습니다.

아이콘 아트의 특징

다양한 매체
오늘날의 아이콘은 나무 패널 페인팅과 가장 밀접하게 동일하지만 비잔티움에서는 대리석, 상아, 모자이크, 보석, 귀금속, 에나멜 또는 프레스코 그림과 같은 다양한 매체에서 페인팅(또는 얕은 부조로 조각)할 수 있습니다. . 초기 아이콘 화가들은 뜨거운 밀랍을 결합 매체로 사용하여 안료를 결합하고 표면에 쉽게 적용할 수 있도록 하는 encaustic 페인트를 사용하는 경향이 있습니다. 이 그림 방법은 나중에 달걀 노른자를 대신 사용하는 템페라 페인트로 대체되었습니다.

다양한 크기
아이콘의 크기는 미니어처에서 매우 큰 것까지 다양했습니다. 일부 유형은 펜던트로 목에 걸었고, 다른 유형(제단 조각 예술을 위한 디자인과 같은 "삼부작"으로 알려짐)에는 열리고 접힐 수 있는 3개의 패널이 있습니다. 교회 아이콘은 프레스코 벽화나 반짝이는 모자이크에 나타나는 보다 영구적인 건축물로 교회 내부에서 장식 및 교육용 예술로 사용되었습니다. 참조: 라벤나 모자이크 400-600.

상징적 예술
회화적 교육적 기능에도 불구하고 고전 정교회 전통의 도상학은 자연주의적 예술이라기보다는 상징적 예술이다. 다시 말해, 비잔틴 미술에서는 성상을 인간성보다는 거룩함을 강조하는 방식으로 표현하였다. 그 일환으로 아이콘 아트는 신학적 메시지를 강화하기 위해 고안된 특정 구성 및 색상 규칙을 준수합니다. 아이콘 이미지에 포함된 거의 모든 것은 본질적으로 상징적입니다. 예를 들어, 예수님, 성도들, 모든 천사들에게는 후광이 있습니다. 천사들(그리고 일반적으로 세례 요한)도 날개가 있습니다. 왜냐하면 그들이 사자로 간주되기 때문입니다. 또한 피규어는 표준화된 표정과 포즈를 취합니다. 색상에 관한 한, 금은 하늘의 빨강, 신성한 생명의 풍요로움을 상징합니다. 파란색은 인간의 생명을 위해 예약되어 있고 흰색은 그리스도의 부활과 변형을 위해 사용됩니다. 그리스도와 마리아의 도상을 연구한다면: 예수는 파란색 겉옷(신이 인간이 되심)과 함께 빨간색 속옷을 입는 반면, 마리아는 빨간색 겉옷과 함께 파란색 속옷을 입습니다(그녀는 인간으로 시작했지만 하나님께 더 가까워지고 있음).

이 모든 것은 (예를 들어) 사람의 크기가 선형 관점의 규칙이 아니라 사회적 지위에 따라 계산되는 고대 이집트의 예술과 같습니다. 중세 회화 - 원시 르네상스(c.1250-1350)와 국제 고딕 시대(c.1375-1450)와 마찬가지로 다양한 상징을 사용했습니다. 상징적이든 아니든 아이콘 아트는 청원자에게 대표되는 신성한 인물과 직접적인 의사 소통을 제공했기 때문에 중요했습니다.

아이콘의 기원은 313년 로마의 기독교 합법화 이후에 대중화되기 시작한 순교자들과 그들의 위업을 그린 초기 기독교 미술 시대로 거슬러 올라갈 수 있습니다. 사실, 한 세기 정도 안에, 성서의 인물들만 아이콘 형태로 표현하는 것이 허용되었습니다. (로마 황제는 종교적인 인물로 간주되었습니다.) 예수와 마리아의 초기 묘사는 나중에 양식화된 버전보다 훨씬 더 사실적이었습니다. 그 후, 그리스도의 보편적인 이미지가 나타나기까지 몇 세기가 걸렸습니다. 초상화의 두 가지 가장 일반적인 스타일은 짧고 철사 같은 머리를 가진 예수를 묘사하는 형식과 머리가 중간에 갈라진 수염 난 예수를 보여주는 대안이 포함됩니다.로마가 쇠퇴함에 따라 아이콘은 모자이크 및 교회 건축과 함께 독특한 비잔틴 유형의 예술 중 하나가 된 콘스탄티노플로 초점이 옮겨졌습니다. 참조: 기독교 예술, 비잔틴 시대.

약 350년 후, 8세기와 9세기에 그것들의 사용(상상파괴주의)에 대한 논쟁이 터졌습니다. Iconoclasts (Icon에 반대하는 사람들)는 그들이 우상을 숭배하는 지지자라고 주장했으며 아이콘은 단지 상징적 이미지라고 대답했습니다. 843년에 성화 숭배가 마침내 다시 확립되었지만 초기 비잔틴 성화는 그 시대의 혼란에서 살아남은 것이 거의 없었습니다. 이것에 대한 중요한 예외는 이집트 시나이 산에 있는 성 캐서린 수도원에 보존된 그림이 그려진 성화입니다. Iconoclastic 논쟁에 이어 상징적 인 초상화 예술, 교회 프레스코 및 모자이크 장식의 특성과 규모를 규제하는 더 많은 규칙이 도입되었습니다. 특정 성경 주제는 특히 그리스도의 그림을 포함하여 이러한 실내 장식 예술의 주제로 홍보되었습니다. 아나스타시스, 그리고 코이메시스 처녀의.

아이콘 페인팅의 성장

그 후 도상학은 비잔틴 문화의 일부로 850-1250년에 특히 번성했으며(모자이크만 더 인기 있음) 1050-1450년에는 키예프, 노브고로드, 모스크바에서 러시아 중세 회화의 주요 형태가 되었습니다. Novgorod 학교의 아이콘 페인팅을 창시한 Theophanes Greek과 같은 예술가들에 의해 개발되었습니다. 비잔틴 성화 그림 전통에 관한 한, 우리는 11세기 또는 그 이전의 몇 가지 예만 가지고 있으며 그 이전의 예는 없습니다. 이것은 부분적으로는 많은 사람들이 파괴된 성상파괴주의 때문이고, 부분적으로는 1204년 4차 십자군 동안 베네치아인들이 약탈했기 때문이며, 마지막으로 1453년에 오스만 투르크가 도시를 약탈했기 때문입니다.

1453년부터 도상학의 비잔틴 전통은 이전에 종교와 문화의 영향을 받은 지역, 즉 러시아, 코카서스, 발칸 반도 및 많은 레반트 지역에서 영속되었습니다. 우선, 일반적으로 이들 국가의 아이콘 예술가들은 전통적인 예술적 모델과 공식을 엄격하게 고수했습니다. 그러나 시간이 지남에 따라 일부, 특히 러시아인은 점차 관용구를 지금까지 받아들여졌던 것 이상으로 확장했습니다. 17세기 중반에 니콘 총대주교가 도입한 교회 관행의 변화로 인해 러시아 정교회가 분열되었습니다. 그 결과 "Old Believers"는 전통적인 양식화 방식으로 도상을 계속 제작한 반면, 국교회 등은 바로크 시대의 가톨릭 종교 예술과 유사한 서유럽 리얼리즘의 요소를 포함하여 도상화에 대한 보다 현대적인 접근 방식을 채택했습니다. 기간.

슬프게도 초기 아이콘 화가는 익명으로 남아 있지만 다음을 포함하여 일부는 알려져 있습니다. 그리스의 테오파네스 (1340-1410) 콘스탄티노플에서 러시아로 건너와 모스크바와 노브고로드 학파에 영향 안드레이 루블레프 (1370-1427), 그의 협력자 다니엘 체르니, 그리고 디오니시우스 (c.1440-1502) 아이콘 화가가 된 최초의 평신도 중 한 명. 나중에 아이콘 아티스트 포함 보그단 살타노프 (1626�) 및 사이먼 우샤코프 (1626�) 후기 모스크바 회화 학교의 화가로, 아마도 마지막 주요 아이콘 화가일 것입니다. 러시아인 사이에서 아이콘의 인기로 인해 야로슬라블, 블라디미르-수즈달, 프스코프, 모스크바, 노브고로드와 같은 매우 다양한 학교와 스타일의 아이콘 페인팅이 개발되었습니다.

동방 그리스도교국의 가장 유명한 그림은 '블라디미르스카야', NS '블라디미르의 성녀'(c.1131, Tretyakov Gallery, Moscow)는 콘스탄티노플에서 키예프까지, 그리고 1155년에는 그곳에서 블라디미르까지 온 것으로 추정됩니다. 1395년 8월 26일, 몽골군이 성문에서 격퇴되었다고 전해지는 같은 날 사람들의 환호 속에 모스크바로 엄숙하게 반입되었습니다. 이 아이콘에 대한 많은 전설이 있습니다. 나폴레옹이 모스크바에 입성했을 때 그것은 불타는 크렘린에서 구출되었고 나중에 대성당에 승리로 복원되었습니다. 철저한 조사를 통해 6번의 덧칠과 보수 작업을 거쳐 수 세기에 걸쳐 퍼진 원본에 무엇이 남아 있는지 밝혀졌습니다. 전문가들의 세부 사항은 다르지만 이러한 잔재는 표현과 자세에서 항상 러시아 예술의 전형이었던 블라디미르의 동정녀를 드러냅니다. 옆에 처녀와 아이, 세인트 조지위대한 순교자는 러시아 도상학에서 가장 유명한 성인 중 한 명입니다. 그는 정복 영웅이 아니라 엄숙하게 즉위한 비잔틴 인물로 가장 자주 표현됩니다. 러시아 회화의 고전 시대인 14세기, 15세기, 16세기 내내 비잔틴 양식은 모든 개별적인 특성이 사라진 불변의 신념의 변함없는 표현으로 남아 있었습니다.

기타 유명한 아이콘은 다음과 같습니다. 성 베드로 (c.550, 시나이 산의 성 캐서린 수도원), 세인트 마이클 (c.950-1000, 테소로 디 산 마르코, 베니스) 및 구약의 삼위일체 (1427, Tretyakov 갤러리). 가장 존경받는 비잔틴 아이콘(지금은 사라졌음) 중 하나는 다음과 같이 알려져 있습니다. 버진 호데게트리아. 테오도시우스 2세(Theodosius II) 황제의 아내인 에우도키아(Eudokia)에 따르면, 이 나무 패널 아이콘(콘스탄티노플의 호데곤 수도원에 보관되어 있음)은 성 루크가 그렸습니다. 비잔티움 전역에 널리 복사된 버진 호데게트리아 중세와 르네상스 시대에 성모 마리아와 아기 예수 그리스도에 대한 서양의 묘사에 엄청난 영향을 미쳤습니다.

아이콘 그림과 모자이크는 Tretyakov 갤러리, 모스크바 미술관, 노브고로드 대영 박물관 빅토리아 & 앨버트 박물관 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕 및 현장에서 아야 소피아(콘스탄티노플, 지금은 이스탄불)에 있는 코라 수도원 그리스도 교회(이스탄불) 토르첼로 대성당, 베니스 체팔루 대성당, 노브고로드 시칠리아 구세주 교회, 이집트 시나이 산의 성 캐서린 수도원.

아이콘 페인팅은 많은 러시아 현대 예술가, 특히 Natalia Goncharova(1881-1962)에게 큰 영향을 미쳤습니다.

러시아 예술의 보다 현대적인 보물을 보려면 상트페테르부르크 파베르그 하우스 오브 파베르그(St Petersburg House of Fabergé)가 금, 은, 원석으로 만든 아름답고 복잡한 일련의 귀중한 물건인 파베르그&에아큐트 이스터 에그(Fabergé Easter Eggs)를 참조하십시오.

encaustic 및 템페라 패널 페인팅에 대한 자세한 내용은 Visual Arts Encyclopedia를 참조하십시오.
그림 유형, 스타일 및 역사에 대한 정보는 Fine Art Painting을 참조하십시오.


힙합 문화의 기원

힙합은 1970년대 초 뉴욕 브롱크스에서 발생한 하위 문화이자 예술 운동입니다. 그 발전은 산업화 이후의 쇠퇴, 정치적 담론, 급변하는 경제의 부정적인 영향을 반영했습니다.

이 시기에 뉴욕시를 돌아보면 우리는 경제 붕괴를 봅니다. 제조업의 쇠퇴와 크로스 브롱크스 고속도로 건설로 인해 도시 경제는 무너지고 있었습니다. 백인 중산층의 대부분은 사회 경제적 어려움을 피하기 위해 교외로 이주했습니다. 이주는 인구 통계와 분리된 커뮤니티를 변화시켰습니다. 아프리카계 미국인, 푸에르토리코 및 카리브해 이민자들이 주로 거주하는 지역의 상황은 악화되었습니다. 도시의 절망은 또한 증가하는 범죄, 갱 폭력 및 빈곤을 가져왔습니다.

결과적으로 기업은 문을 닫았고 많은 경제적 기회와 오락의 원천이 증발했습니다. 그 결과 도시의 젊은이들은 레크리에이션과 자기 표현을 위해 거리로 눈을 돌렸습니다. 버려진 건물과 주차장은 블록 파티의 무대를 설정합니다. 이 블록 파티는 초기 힙합 문화와 관련된 모든 것의 토대를 마련했습니다. DJ와 MC는 자메이카 문화를 도입한 모바일 “Sound Systems”을 설치하여 음악을 가져왔습니다. 판지 시트는 브레이크 댄서를 위한 댄스 플로어가 되었고 벽돌 벽은 그래피티를 위한 캔버스로 변형되었습니다.

분노, 고난, 버림받은 감정으로 가득 찬 새로운 시대가 도래했습니다. 그러나 부상하는 힙합 운동은 절망과 인종 장벽을 수많은 창조적 인 콘센트로 변형 시켰습니다. 폭력에 대처하는 수단이 되기도 했다.

힙합의 개척자

힙합을 만드는 데 영향을 준 사람들이 몇 명 있었다. 그러나 가장 주목할만한 개척자는 DJ Kool Herc, Afrika Bambaataa 및 Grandmaster Flash입니다. 이 세 명의 혁신가는 힙합의 “성삼위일체”로 알려져 있습니다.

DJ 쿨 허크

가장 영향력 있는 힙합 개척자 중 한 사람은 힙합의 창시자로 여겨지는 자메이카 이민자인 DJ Kool Herc였습니다. Kool Herc는 1973년 그의 여동생과 함께 1520 Sedgwick Avenue에 있는 Bronx 아파트 건물의 오락실에서 “Back to School Jam”을 주최하면서 역사를 만들었습니다. 이 역사적인 파티는 힙합 운동을 시작한 것으로 알려져 있습니다.

또한 DJ Kool Herc는 자메이카 더빙 음악에서 차용한 “breakbeat” DJ 테크닉– 믹싱 연습도 소개했습니다. 그러나 Kool Herc는 펑크, 소울 및 기타 장르를 타악기 섹션으로 연주합니다. Kool Herc는 한 쌍의 턴테이블을 사용하여 동일한 레코드의 두 복사본을 재생한 다음 그 사이를 전환하여 브레이크로 알려진 타악기 섹션을 확장했습니다. Kool Herc는 이 브레이크비트 저글링 스타일을 DJing “The Merry-Go-Round”이라고 명명했습니다. 이 브레이크비트 턴테이블리즘은 힙합 음악, 랩 및 브레이크 댄스의 부상에 빠르게 영향을 미쳤습니다.

브레이크 섹션은 사람들이 가장 많이 춤을 추는 노래에서 가장 기대되는 부분이기도합니다. 브레이크 댄서는 댄서 서클을 구성하고 휴식을 위해 최고의 댄스 동작을 저장합니다. Kool Herc는 자신의 음악에 맞춰 춤추는 사람들의 이름을 Break-Boys와 Break-Girls의 줄임말인 B-Boys와 B-Girls라고 명명했습니다. 시간이 지남에 따라 브레이킹이 진화하여 주류를 초월한 글로벌 서브컬처가 되었습니다.

Kool Herc는 또한 MC가 수행하는 운율과 말장난의 리드미컬한 구어 전달을 개발하는 데 도움을 주었습니다. 그는 군중을 과대 광고하기 위해 노래의 기악 부분에 대해 리듬과 운율로 말할 것입니다. 그의 서정적인 성가와 리드미컬한 말장난은 자메이카의 건배 전통에서 영감을 받은 초기 형태의 랩이었습니다. 그는 “B-Boys, B-Girls, are ready?와 같은 문구를 외칠 것입니다. 계속 흔들리지 말고,”“이것이 조인트! Herc는 요점에서 비트, ” “비트에 맞춰, y’모두,” 및 “You don’t stop!”

Kool Herc는 또한 그의 친구 Coke La Rock에게 파티에서 마이크를 제어하도록 요청했습니다. 한 파티에서 Coke La Rock은 "거기에는 던질 수 없는 사람이 없고, 타지 못하는 말이 없고, 멈출 수 없는 황소가 있고, 디스코가 없다"는 말을 남겼습니다. I Coke La Rock은 록 할 수 없습니다.” 많은 사람들이 이 구절을 최초의 랩 가사로 간주하고 Coke La Rock을 힙합의 첫 번째 MC로 간주합니다.

아프리카 밤바아타

뉴욕 시에서 등장한 또 다른 영향력 있는 힙합 인물은 Afrika Bambaataa로 “The Godfather” Bambaataa는 1970년대 후반에 Brox에서 블록 파티를 조직한 선구적인 DJ이자 음악 프로듀서였습니다. 그는 또한 도시의 젊은이들을 갱단 생활, 마약 및 폭력으로부터 멀리 인도하는 데 도움을 준 선구자였습니다. 그는 힙합 문화의 표현을 통해 평화와 화합을 장려하는 음악 중심 조직인 Universal Zulu Nation을 결성했습니다. 멤버들은 도시의 젊은이들에게 디제잉, 브레이크 댄스, 랩, 비주얼 아트를 소개했습니다. 얼마 지나지 않아 Bambaataa는 이러한 표현 형식을 힙합의 𔄜요소”로 분류했습니다. Zulu Nation은 오늘날까지 계속해서 전 세계에 힙합 문화를 전파하고 있습니다.

1982년 Afrika Bambaataa와 Soul Sonic Force는 가장 영향력 있는 초기 힙합 곡 중 하나인 “Planet Rock”을 발표했습니다. 펑크 비트 위에 랩을 하는 대신 Bambaataa는 Kraftwerk를 샘플링하고 Roland TR-808 드럼 머신을 사용하여 전자 사운드를 만들었습니다. 이 곡은 힙합 음악의 정석이 된 TR-808의 대중화에 일조했다.

그랜드마스터 플래시

Grandmaster Flash는 뉴욕시 브롱크스 출신의 또 다른 혁신적인 DJ입니다. 그는 레코드를 뒤로, 앞으로 또는 반시계 방향으로 조작한 최초의 DJ였습니다. 그는 또한 백스핀, 커팅, 펀치 프레이징 및 스크래칭과 같은 독특한 디제잉 기술을 발명했습니다.

Grandmaster Flash는 또한 1976년 Grandmaster Flash와 Furious Five라는 그룹을 조직했습니다. 이 그룹은 가장 영향력 있는 힙합 활동 중 하나로 널리 인정받았습니다. 래퍼 4명의 가사를 절충해 플래시’의 독보적인 DJ 실력을 가미해 독특한 스타일을 전달했다. Flash는 또한 손가락, 발가락, 팔꿈치 및 물건으로 비닐을 조작하여 곡예적 디제잉 기술을 수행했습니다.

Grandmaster Flash and Furious Five에는 몇 가지 영향력 있는 노래가 있었습니다. 하지만 이들의 대표곡은 “The Message” 이 크리티컬한 히트곡으로 랩을 장르로 더욱 공고히 하고 래퍼들을 처음으로 전면에 내세웠다. 강력한 가사는 또한 초기 힙합의 전통적인 리드미컬한 성가에서 중요한 변화인 게토에서의 삶의 암울한 현실을 자세히 설명했습니다.

2007년, Grandmaster Flash와 Furious Five는 다시 역사를 만들었습니다. 그룹은 로큰롤 명예의 전당에 헌액된 최초의 힙합 활동이 되었습니다.

초기 음악 기술

1980년대 초반은 힙합과 음악 제작의 중요한 전환점이었습니다. 신디사이저, 샘플러, 드럼 머신이 더 저렴해지고 접근하기 쉬워졌습니다. Roland’의 상징적인 TR-808 드럼 머신이 선택의 무기가 되었습니다. 이제 음악 프로듀서는 DJ 브레이크비트에 의존하는 대신 독창적인 드럼 패턴을 프로그래밍할 수 있습니다. TR-808은 또한 강력한 베이스 드럼 사운드로 힙합의 초석이 되었습니다.

샘플링 기술도 1980년대에 등장했습니다. DJ들은 Linn 9000, E-mu SP-1200 및 Akai MPC60과 같은 초기 샘플러를 실험했습니다. 그들은 턴테이블을 사용하는 대신 이 샘플러를 사용하여 노래의 휴식 시간을 합쳤습니다. 또한 샘플러를 통해 제작자는 새로운 방식으로 음악을 연주하고, 섹션을 재배열하고, 배열을 배열하고, 편집하고, 믹싱할 수 있습니다. 이러한 생산 방법은 초기 형태의 리믹싱이었습니다.

시간이 지남에 따라 샘플링 기술이 발전했습니다. AKAI S900과 같은 차세대 샘플러는 증가된 메모리, 더 높은 샘플링 속도, 더 나은 편집 기능 등을 제공했습니다. 음악 제작자는 사운드 레이어링, 반복, 정교한 편곡 순서 지정, 효과 추가 등과 같은 기술을 실험했습니다.

턴테이블과 믹서 기술도 발전했습니다. 새로운 사운드와 효과를 만들기 위해 레코드를 긁는 DJ가 증가했습니다. 가장 영향력 있는 턴테이블은 강력한 모터, 내구성 및 충실도로 인해 Technics SL-1200이었습니다.

힙합의 황금기

1980년대 중반과 1990년대 초반에 힙합은 전국적으로 본격화되었다. 힙합 문화를 획기적으로 변화시킨 시대를 가져왔습니다. 이 새로운 시대는 “힙합의 황금 시대”””” 많은 사람들이 이 전환점을 다양성, 영향력, 문체 혁신 및 주류 성공의 폭발로 특징짓습니다.

음반사는 이 장르를 새로운 트렌드로 인식하고 많은 돈을 투자했습니다. Tommy Boy, Prism Records 및 Def Jam과 같은 독립 레코드 레이블이 성공했습니다. 지역 라디오 방송국과 클럽 DJ들의 요구에 부응해 빠른 속도로 음반을 발매하고 있었다.

문화가 대중화되면서 도시에서 도시로 새로운 장면과 힙합의 다양한 스타일이 등장했습니다. 그러나 힙합 음악은 여전히 ​​대부분 실험적이었습니다. 그러나 새로운 세대의 힙합 프로듀서들은 힙합 음악을 다음 단계로 끌어올릴 수 있는 더 발전된 드럼 머신과 샘플러에 접근할 수 있었습니다.

힙합 황금기의 결정적인 특징 중 하나는 샘플링된 음악을 많이 사용한 것입니다. 저작권법이 음악을 샘플링하는 것을 보호하지 않았기 때문에 아티스트는 법적 문제 없이 다양한 소스의 샘플을 사용할 수 있었습니다. 그들은 재즈에서 록 음악에 이르기까지 다양한 장르의 샘플을 캡처하고 있었습니다. 그러나 샘플링은 음악에만 국한되지 않았습니다. R.Z.A. Wu-Tang Clan의 1970년대 쿵푸 영화 컬렉션에서 사운드 클립을 샘플링했습니다.

힙합의 서정적 내용도 발전했다. 1970년대 초기의 리드미컬한 성가는 다양한 주제를 탐구하는 은유적 가사로 발전했습니다. 아티스트들은 또한 더 복잡하고 다층적인 기악 편곡을 통해 가사를 연주했습니다. Melle Mel, KRS-One, Rakim, Chuck D, Warp 9과 같은 아티스트들은 힙합 가사와 랩 기술을 발전시키는 데 중추적인 역할을 했습니다.

힙합을 주류로 끌어들이는 데 중추적인 역할을 한 새로운 학교 래퍼의 물결도 있었습니다. 그 선두에는 랩과 하드록을 융합한 힙합 트리오 RUN DMC가 있었다. 그들은 “Walk This Way”의 랩 리메이크에서 Aerosmith와 협력하여 랩을 Top 10에 진입시켰습니다. 이 싱글은 라디오와 MTV를 정복하여 랩을 더욱 주류로 끌어 올렸습니다. 힙합 황금 시대의 다른 혁신가로는 L.L. Cool J, Public Enemy, Beastie Boys, A Tribe Called Quest 등이 있습니다.

힙합 문화를 추동하는 것은 음악만이 아니었다. 힙합 패션도 주류를 이루었습니다. 다양한 의상, 신발, 액세서리, 헤어스타일이 하나의 표현 수단이 되었습니다. 나중에 Ebonics로 알려진 거리 속어도 주류로 넘어왔습니다. 예를 들어, 단어 “bling” 및 “fo’ shizzle”이 옥스포드 영어 사전에 추가되었습니다.

샘플링 및 저작권법

랩 음악은 1990년대 초반 샘플링을 많이 사용했습니다. 샘플링된 음악의 원래 저작권 소유자는 새로운 랩 음악에서 노래의 일부를 들었습니다. 그들은 다른 아티스트가 자신의 작업에 돈을 쓰는 것을 좋아하지 않았고 음악 사용에 대한 보상을 원했습니다.

많은 법적 조치를 취한 후 정부는 여러 저작권 집행법을 통과시켰습니다. 그들은 소송을 피하기 위해 아티스트에게 모든 샘플을 사전에 삭제하도록 요구했습니다. 그러나 샘플을 지우는 데 비용이 많이 들었고 많은 음반사에서 샘플을 모두 지우는 데 여유가 없었습니다. 힙합 음악은 완전히 새로운 방향을 잡았고 프로듀서는 샘플에 크게 의존하기보다 독창적 인 사운드를 만들어야했습니다. 프로듀서가 더 이상 상업적으로 출시된 노래를 샘플링하지 않았기 때문에 다른 소리가 들렸습니다. 결과적으로 음악은 재즈와 영혼의 영향을 많이 잃었습니다.

주류 영향

힙합 음악은 더욱 상업적이 되어 1990년대 후반에 가장 많이 팔린 음악 장르가 되었습니다. 서해안 힙합, 갱스터 랩, 서던 랩, 랩 록 및 기타 다양한 장르와 같은 다양한 지역 스타일도 등장했습니다. N.W.A., Dr. Dre, Tupac Shakur, Snoop Dog, Notorious B.I.G., Nas, Jay-Z 및 기타 여러 아티스트와 같은 새로운 아티스트도 등장했습니다. 10년대 말까지 힙합은 대중 음악의 필수적인 부분이 되었습니다.주류 팝과 일렉트로닉 음악에도 진출했습니다.

결론

힙합 역사에는 더 탐구할 가치가 있는 매혹적인 이야기가 있습니다. 이 문화 운동은 70년대에 시작된 이래 상당한 변화와 진화를 겪었습니다. 뉴욕시에서 아프리카계 미국인과 푸에르토리코 청소년을 위한 안식처를 제공하기 위한 지역 운동으로 시작된 이 운동은 세계적인 현상이 되었습니다. 오늘날까지 힙합은 전 세계 문화에 영향을 미치는 지배적인 힘을 계속 이어가고 있습니다.


미래

햄버거 아이콘은 웹 디자인과 앱 디자인 모두에서 필수 요소가 되었으며 조만간 어디에도 없을 것 같습니다. 그것은 컴백했고 여기에 머물 것 같습니다. 햄버거 아이콘은 UX/UI 디자인 커뮤니티에서 꽤 뜨거운 반응을 얻었습니다. 지금 당장 중단하고 메뉴나 편리한 탭바로 대체해야 하는 끔찍한 일이라고 말하는 사람들도 있습니다. 일부는 싫어하고 일부는 좋아합니다.

다른 사람들은 햄버거 아이콘 멋진 심플한 디자인을 위해. 그렇다면 실제로 어떻게 그리고 언제 사용되는지가 더 중요합니까?

출처: 테크크런치

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역사를 통한 아이콘

SAMBO 미국 광대의 흥망성쇠. 조셉 보스킨 지음. 삽화가 든. 252 pp. New York: Oxford University Press. $20.95.

민권 운동이 Sambo를 사실상 없애는 데 도움이 될 때까지 그는 미국에서 가장 좋아하는 흑인의 인기 있는 이미지인 백인이었습니다. 어리석고, 승리하는 인물, 드로잉, 활짝 웃는, 봉사하기를 열망하는, 노래와 한 걸음만 내디디면 언제나 준비가 되어 있습니다. 굴하지 않습니다. 미국 역사를 통틀어 과학자와 사회 과학자를 포함한 많은 백인(그리고 심지어 일부 흑인)은 백인의 상상, 삼보를 실제와 같은 흑인으로 받아들이는 실수를 저질렀습니다.

이 흥미롭고 재치 있고 종종 통찰력 있는 이미지의 사회 역사에서 Joseph Boskin은 Sambo를 16세기 유럽과 아프리카로 추적합니다. 자신의 문화와 다른 문화를 설명하고 죄책감을 달래기 위해 초기 유럽 노예들은 아프리카인을 자연 노예로 보는 견해를 만들었습니다. Boskin 교수 Boston University의 역사 및 아프리카 계 미국인 연구에 따르면 초기에 ''Sambo''은 아프리카인들 사이에서 통용되었기 때문에 백인에 의해 인종 레이블로 사용되었음을 관찰합니다. 존엄의 이름, 의미 ''영혼의 이름'' 및 ''가족의 둘째 아들'' 그러나 멘데족 언어로 서아프리카에서도 ''을 의미하는 동사였습니다. #x27' 불명예'' 또는 '' 부끄러움.'' 영국 노예 무역상들도 아마 ''Sambo''을 히스패닉 노예' 모욕적인 용어의 한 형태로 채택했을 것입니다. #x27'zambo,''은 혼혈의 '','' ''활 다리'' 또는 ''원숭이를 의미합니다.'' , 나부터 나 ''Sam''은 영국 대중문화와 관련이 있었고, ''Sambo''은 쉽게 영국식 언어를 구사했습니다.

노예 무역의 초기부터 백인들은 연기자로서 흑인들에게 흥미를 느꼈습니다. Slavers' 저널은 신대륙으로 향하는 배에서 ''노예가 춤을 추고''에 대해 이야기합니다. 이 관행은 흑정령과 건강을 향상시킨다고 알려져 있지만 의심할 여지 없이 백인의 지루함을 덜어주고 흑인의 차이와 무력함을 의식화하는 데에도 기여했습니다. 이러한 전시처럼, 백인과의 일상적인 관계에서 노예에게 부여된 역할처럼, 플랜테이션 쇼와 온갖 종류의 대회는 삼보의 살과 뼈가 있는 현실을 확인하는 것 같았습니다.

Boskin 씨는 남방에서는 주인의 집에서, 교회에서, 박람회, 경마, 무도회, 또는 지배적인 모든 곳에서 연주하든지 이 유흥 노예는 지역 전체에 걸쳐 연주자로 모셔져 있다고 썼습니다. 한편, 북측에서는 유흥노예의 상대편이 결국 민스트럴맨으로 등장해 연극무대에 출격해 눈길을 끌었다. , 그러나 검은 얼굴의 백인 남자. 남북 전쟁 직전과 직후 수십 년 동안 전성기에는 최소 30개의 정규 회사가 이 쇼를 공연했습니다. . . . 민스트럴시의 국제적 끌림은 그것의 기병들이 대서양 연극 무역의 방향을 바꾸어 영어와 프랑스어 무대에 각인되었습니다.'' ''Uncle Tom은''을 보여줍니다. 해리엇 비처 스토우(Harriet Beecher Stowe's) 소설의 줄거리와 함께)는 전형적인 민스트럴 운임의 대중적인 변형을 제공했는데, 종교적인 경건의 베니어판은 시골 마을에서 가장 잘 재생되었습니다.

Boskin 씨는 Sambo가 일종의 미국 어릿광대였다고 주장하며, 왕으로서가 아니라 강력한 백인 북부와 남부를 위해 공연했으며 때때로 윙크와 진심 어린 웃음이 없었다면 엄격히 금기였을 견해를 표현했습니다. Boskin은 또한 20세기 초까지 Sambo가 미국의 아이콘이었음을 보여줍니다. 그는 미국 문화 전반에 걸쳐 Sambo's의 모습을 분류합니다. 수많은 엽서와 광고에서 비춰지는 검은 인물, 그 중 하나가 자신의 회사 제품을 선언하고, ''The ham what am!'' 잔디 가구, 넥타이 클립, 남성용 지팡이 꼭대기에 삼보가 보였다. 그의 이빨 미소를 웃고. 삼보 마스코트는 미식축구 경기 중 사이드라인을 행진하며 레스토랑, 상점, 호텔, 기업, 대학, 심지어 교회까지 머리에 불을 밝혔습니다.''

Sambo는 'ɺmos 'n Andy''(창작자, 작가 및 초연자는 백인임) 및 기타 여러 쇼에서 라디오 목소리로 살았으며 결국 영화와 TV의 주류가 되었습니다. Boskin 씨는 20세기가 되면서 Sambo가 ''The Jack Benny Program에서 Rochester(Eddie Anderson이 연기)와 같은 흑인 인물에 의해 잘려나갔다고 관찰합니다. 쇼's 유머. 이것은 삼보 역할을 거부했을 뿐만 아니라 민권 운동에 솔직하게 참여한 흑인 코미디언 Godfrey Cambridge와 Dick Gregory의 역할을 예고했습니다. 그들의 유머와 같은 유머는 1960's의 평민 운동가들의 정신을 북돋았고, 흑인에 대항하여 삼보를 사용했던 사람들의 판을 뒤집었습니다. 이 기간 동안, 앨라배마주 셀마에서 대규모 충돌이 있은 후 감정이 북받치는 회의에서 당시 학생 비폭력 조정 위원회 사무총장이었던 제임스 포먼은 흑인 조직자들에게 박수를 치는 청중에게 이렇게 말했습니다. 보안관 ] Jim Clark rubbin' 그의 머리와 그의 큰 뚱뚱한 배는 오늘 우리가 사용했던 것처럼 셔플했습니다.''

흥미롭게도 Sambo는 미국 역사의 주요 작품으로 자신의 길을 뒤섞기까지 했습니다. Boskin은 남부 최초의 현대 노예 옹호론자인 역사가 Ulrich B. Phillips에게 임무를 맡겼습니다. 그의 주요 작품에서는 흑인(Sambos) 노예가 문명화 과정이었다고 가정했습니다. 그리고 그는 널리 영향력 있는 ''미국 공화국의 성장''의 1930년 판을 위해 Samuel Eliot Morison과 Henry Steele Commager를 쏘았습니다. 노예 제도의 흑인: ''폐지론자들을 눈물짓게 한 잘못을 범한 삼보의 경우, 그가 독특한 제도로 인해 남부의 다른 어떤 계급보다 덜 고통받았다고 믿을 만한 어떤 이유가 있습니다.' '' 심지어 Constance Rourke는 'ɺmerican Humor''(1931)에서 100년 된 관습으로 되돌아갑니다. 그녀는 그곳에서 그녀가 흑인에게 해학적인 ''자연스러운 것이라고 부릅니다.''

그러나 Boskin 씨는 Stanley Elkins에 대해 전혀 비판하지 않았습니다. 그의 잘못된 주장(''Slavery,'' 1959)은 노예 농장이 대부분의 노예를 정신 없는 ''Sambos''( 그의 용어)는 노예제 역사학에서 현대 혁명을 촉발한 중심 작업이었다. Elkins 씨와 대조적으로 John Blassingame, Eugene J. Genovese, Herbert Gutman, Kenneth Stampp, Lawrence Levine 및 기타 많은 사람들과 같은 현대 역사가들은 비록 미국의 노예제도가 짓밟히고 있지만 어떻게든 노예들은 상당한 수준의 존엄성을 가지고 그것을 견뎌냈다고 주장해 왔습니다. 노예에 대한 강제 수용소 폭정을 불러일으키는 엘킨스의 주도를 따르기보다는 이 역사가들은 노예가 즉흥적으로 행동하고 무언가를 비밀로 유지(연필, 중간 이름, 기억)하고 어떤 감각을 유지하기 위해 노예의 능력을 탐구했습니다. 요컨대 가족과 지역 사회가 자신을 위한 세상을 만들고 더 나은 날을 기다리는 것입니다. 여기서 관점의 문제가 중요합니다. Elkins 씨처럼 노예 역사의 한심한 희생자였습니까, 아니면 그들이 카스트 지위에도 불구하고 자신의 마음, 영혼, 몸을 상당한 정도로 통제하고 있었습니까? ? 그들은 어떤 중요한 의미에서 역사's 영웅이었습니까? Elkins's 비평가들은 그렇다고 말합니다.

Boskin's 자신의 논문은 그를 낡아빠진 Elkins 진영에 정확히 위치시킵니다. Elkins와 마찬가지로 Boskin은 흑인 문화와 개성을 사실상 말살하는 노예 제도의 힘을 비난하지만 그럼에도 불구하고 받아들입니다. 고정 관념과 흑인에 대한 유머로 백인들이 흑인들에게 끼어들었다고 Boskin 씨는 주장합니다. Boskin 씨에게 Sambo는 흑인 남성에 대한 특수 부대와 같은 ''특이한 유형의 사회적 통제였습니다. 흑인 남성을 웃음의 대상으로 만들고, 반대로 억지로 웃음을 짓게 하는 것은 남성다움, 존엄성, 자기 소유를 박탈하는 것이었다. . . . 궁극적인 목표는 숙달을 수행하는 것이었습니다. 흑인 남성을 잠재적인 전사, 성적 경쟁자, 경제적 적으로 무력하게 만드는 것이었습니다. So Is He,''은 백인' 흑인' 이름을 'ɻituminous,'' ''Snowrilla,''과 같은 잔인한 코믹한 이름으로 변경하는 것에 대해 논의합니다. , ''Sambo.'' 저항하려는 노력에도 불구하고 마침내 무력한 노예 희생자가 ''Sambo''(또는 변형)을 자신의 실명으로 사용했음을 분명히 암시합니다. 마음은 그에 따른 비천한 역할을 받아들였습니다.

Boskin 씨는 우리에게 아프리카인들이 속임수와 의상으로 가득한 신세계에 들어선 마스크 착용 전통의 계승자로서 노예들이 보고 싶어하는 가면을 쓰는 생존 전략을 빨리 배웠다고 말하지 않습니다. 노예 이야기는 흑인이 백인에게 몸을 굽혀 삼보 스타일로 자신의 비밀 목표를 꾸준히 추구하는 사례로 가득합니다. Frederick Douglass조차도 자유를 위해 이륙하기 전의 마지막 주인인 그의 주인에게 자신이 그저 행복한 삼보일 뿐이며 노예로서의 위치에 너무 만족하여 다른 삶의 방식을 고려할 수 없다고 설득했습니다. 씨. BOSKIN 역시 흑인 캐릭터가 등장하는 문학 텍스트의 통역사로서 흔들리고 있다.

그는 Melville's '➾nito Cereno를 오독하여 흑인 노예 반란군 Babo조차 일종의 Sambo로 만듭니다(Delano 선장은 그를 그렇게 생각하지만 Melville은 생각하지 않습니다). Boskin 씨는 백인 작가들이 보는 흑인 캐릭터의 복잡한 주제에 대해 시인이자 비평가인 Sterling A. Brown이 많은 비판을 하고 있다는 것을 잘 모르는 것 같습니다. 1933년에 작성된 주요 기사에서 Brown은 흑인에 대한 고정관념을 다음과 같이 분류합니다. ,'' ''야만적인 흑인,'' ''비극적인 혼혈아,'' ''현지색 흑인'&#&#x 이국적인 원시.''

이 책의 주요 문제 중 하나는 너무 많은 것을 다루려고 한다는 것입니다. 상징으로서의 삼보와 실제 인간, 노예와 자유, 물질 문화와 텍스트, 역사와 문학, 무대, 라디오, 영화 및 텔레비전, 노예에서 거의 현재에 이르기까지. 그러나 내가 가장 심각하게 반대하는 것은 흑인이 짓밟힌 희생자라는 오래된 이미지에 대한 보스킨 씨의 주장입니다. Sambo 이미지가 미국 인종 관계에 큰 피해를 입혔다는 그의 말이 옳다면 흑인 유머가 그들을 제정신으로 유지하고 살아있게 한 경우이기도합니다. 아마도 그것은 또한 일부 백인을 살려 놓았을 것입니다. Ralph Ellison이 말했듯이 ''날 비웃을 수 있다면 나를 죽이지 않아도 됩니다. 당신을 비웃을 수 있다면 나는 당신을 죽일 필요가 없습니다.''


절연체 웹사이트:

더 많은 수집가가 인터넷 이메일에 액세스할 수 있게 되면서 진화하고 있던 또 다른 기술은 악명 높은 "월드 와이드 웹"(WWW)이었습니다. 오늘날 이것은 단순히 "웹" 또는 "인터넷"으로 알려져 있습니다. WWW는 전 세계의 다양한 컴퓨터에 텍스트와 사진을 배치할 수 있도록 했으며 웹 브라우저를 사용하는 모든 사람이 이 정보에 액세스할 수 있도록 했습니다.

1995년 4월 Don Lundell은 절연체에 대한 기본 웹 페이지를 다음에서 시작했습니다. www.resilience.com/insulators -- 이것은 절연체 웹사이트의 "탄생"이었습니다. 이때 나는 이 새로운 기술에 매우 흥분하여 1995년 5월 "웹마스터"로 취임했습니다.

이 웹 사이트에 대한 관심이 높아지고 있었기 때문에 웹 사이트에 자체 도메인 이름이 있는 것이 적절하다는 것을 알았습니다. 1996년 1월 21일 도메인 절연체.com 가 등록되었고 절연체 웹사이트가 영구적으로 다음으로 이동되었습니다. www.insulators.com 1996년 2월 21일 "영업 개시".

[참고: 2003년 12월 4일 도메인 절연체.info 등록되었지만 활성 웹사이트가 없습니다. 2008년 5월 원래 도메인 insulators.com 판매되고 사이트가 도메인으로 이전되었습니다. www.insulators.info. insulators.com 판매에 대해 자세히 알아보십시오.

오늘날까지, www.insulators.info 웹에서 유리 및 도자기 절연체에 대한 가장 크고 가장 완전한 웹 사이트로 남아 있습니다. 다른 사람들의 개인 소장품과 절연체 경험을 강조하는 수십 개의 소규모 사이트도 생겨났습니다.

2001년 1월 도메인 myinsulators.com 생성되었습니다. 이를 통해 ICON 회원에게 무료 웹 호스팅을 허용했습니다. 이것은 안정적인 웹 위치와 광고와 배너가 없는 무료 웹 호스팅을 원하는 절연체 수집가를 위한 사이트였습니다. 헝가리 절연체에 대한 훌륭한 사이트와 호주 절연체에 대한 몇 가지 사이트를 포함하여 미국 외부의 수집가가 설계한 여러 "하위 사이트"가 있습니다. 오늘날 30명이 넘는 수집가들이 여기에서 자신만의 절연체 페이지를 만들었습니다.

관련 웹사이트:

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아이콘 사용

이미지에 대한 존경과 숭배의 전통은 점차적으로 그리고 문화적 규범의 자연스러운 결과로 발전한 것 같습니다. "공허한 보좌를 자신의 상징으로 삼았던 황제의 독수리와 카이사르의 형상(우상 숭배 같은 것은 전혀 의심하지 않음)에 절하고, 입맞추고, 분향한 사람들은 십자가에도 같은 표시를 하는 것이 당연할 것이다. , 그리스도의 형상과 제단.

5세기와 6세기의 비잔틴 기독교인에게 절, 입맞춤, 향은 누구에게나 존경을 표시하는 자연스러운 방법이었습니다. 그래서 그는 평소의 습관을 가지고 교회에 갔습니다.” [1]

그러한 숭배는 어느 정도 로마와 서방으로 퍼졌지만 그들의 고향은 콘스탄티노플의 궁정이었고 오늘날까지 동방 황제의 신하들의 후손들은 서방(가톨릭)보다 성상 숭배를 훨씬 더 중요하게 여깁니다. 상대방.

8세기에 이르러 성화는 동양 신앙의 주요 부분이 되었습니다. 교회의 벽은 성화, 성경의 장면, 우화 그룹으로 바닥에서 지붕까지 내부를 덮었습니다. 아이콘은 여행 중에 보호 수단으로 사용되었으며 군대의 선두에 서서 경마장에서 경주를 주재했으며 모든 방, 모든 상점에서 컵, 의복, 가구, 반지를 덮었습니다. 가능한 공간이 발견되었고, 그것은 그리스도, 마리아 또는 성인의 그림으로 가득 차 있었습니다.

토리노의 수의(Shroud of Turin)와 같은 에데사(Edessa)의 이미지와 같이 기적의 기원을 가진 것으로 여겨지는 아이콘에 더 많은 경의를 표했습니다.

이 성화에 대한 숭배가 점차 과도해 졌다는 것은 성상파괴적 황제 미카엘 2세(r. 820-9)의 (아마도 약간 과장된) 편지를 포함하여 여러 출처에 의해 입증됩니다.

그들은 교회에서 거룩한 십자가를 제거하고 향을 피우기 전에 형상으로 대체했습니다. 그들은 이 형상들 앞에서 시를 부르고 그 앞에 엎드려 도움을 간청합니다. 많은 사람들이 이미지를 아마포 옷으로 차려입고 그것을 자녀의 대부모로 선택합니다.

성상파괴론 논쟁

교회의 첫 7세기 동안 이미지 숭배에 대한 간헐적인 반대가 있었지만, 이 문제는 8세기에 처음으로 주요 논쟁거리가 되었습니다. 우상파괴 논쟁은 의지가 강한 황제 레오 3세(r. 716-41) 치하에서 본격적으로 시작되었는데, 그는 우상숭배를 반대하고 그렇게 하는 자들을 박해하기 시작했다. 레오의 우상파괴적 입장은 칼리파 오마르 2세(Khalifa Omar II, 717-20)의 영향을 받았을 수 있는데, 그는 황제를 이슬람으로 개종시키려는 시도에 실패했지만 아마도 그에게 그림과 이미지가 우상이라고 확신시켰을 것입니다. 그의 귀를 얻은 아이콘.

서기 726년에 레오 3세는 출애굽기 20:4-5에서 금지한 우상을 선언하는 칙령을 발표했습니다. 그는 교회에 있는 그러한 모든 형상을 파괴하라고 명령했고, 군인들은 즉시 제국 전역에서 그의 명령을 수행하기 시작했습니다. 콘스탄티노플의 궁전 문 위에 Christos antiphonetes라고 불리는 그리스도의 유명한 그림이 있었는데, 그 파괴는 사람들 사이에서 심각한 폭동을 일으켰습니다.

콘스탄티노플의 총대주교 게르마누스는 칙령에 반대하여 교황에게 호소했다(729). 그러나 황제는 그를 반역자로 폐위시키고(730), 정부의 자발적인 도구인 아나스타시우스(730-54)를 그 자리에 임명했습니다. 이 이야기 전체에서 성상파괴주의자들에 대한 가장 확고한 반대자들은 수도사들입니다. 황제의 편을 드는 사람도 있었던 것은 사실이지만, 동방 수도원은 한 몸으로서 교회의 오래된 관습을 확고히 충실히 지켰다. 따라서 레오는 그의 성상파괴주의에 가담하여 수도원에 대한 맹렬한 박해를 가했고 결국 수도원주의를 완전히 억압하려 했습니다.

교황 그레고리우스 2세(r. 713-31)는 폐위된 총대주교의 호소에 오랫동안 이미지를 옹호하면서 응했습니다. 그는 그들과 아이돌의 차이점을 설명하는데, 레오는 아직 그 차이를 이해하지 못한다는 사실에 다소 놀랐습니다. 그러나 레오는 확고부동했고 박해는 동방에서 계속해서 거세졌다. 수도원은 파괴되었고 승려들은 죽임을 당하거나 고문을 당하거나 추방되었습니다. 성상파괴자들은 그들의 원칙을 유물에도 적용하기 시작했고, 열린 신전을 부수고 교회에 묻힌 성도들의 시신을 불태우기 시작했습니다.

동시에 다마스쿠스의 성 요한(d. 754)은 칼리파의 통치 아래 황제의 분노를 피해 성 사바 수도원에서 "거룩한 성상을 파괴하는 자들에 대한" 유명한 사과문을 쓰고 있었습니다. 서쪽, 로마, 라벤나, 나폴리에서 사람들은 황제의 법에 반대하여 일어났다.

731년에 교황 그레고리우스 2세는 같은 해에 성 베드로 대성당에서 93명의 주교로 구성된 시노드를 개최한 그레고리우스 3세에 의해 계승되었습니다. 그리스도, 그분의 어머니, 사도 또는 다른 성인의 형상을 부수거나 더럽히거나 찍은 모든 사람은 파문으로 선언되었습니다. 레오는 교황을 처벌하기 위해 이탈리아로 함대를 보냈지만 폭풍우에 의해 파괴되고 흩어졌다. 그 사이에 제국을 괴롭히는 모든 종류의 재앙, 지진, 역병, 기근이 지방을 황폐화시키는 동안 무슬림은 승리의 경력을 계속하고 더 많은 영토를 정복했습니다.

이러한 난관 속에서 레오 3세는 정책 변경 없이 741년 6월에 사망했습니다. 그의 작업은 그의 아버지보다 훨씬 더 우상 숭배자들에 대한 박해자가 된 그의 아들 콘스탄티누스 5세(Copronymus, 741-775)에 의해 수행되었습니다. 754년 콘스탄티누스는 아버지의 독창적인 아이디어를 받아들여 제7차 총회로 간주되는 콘스탄티노플에서 대 총회를 소집했습니다. 약 340명의 주교들이 참석했지만 가장 중요한 주교들은 꼭두각시 위원회에 대표를 보내는 것을 거부했습니다. 시노드의 주교들은 콘스탄틴의 모든 요구에 완강히 동의했습니다. 그들은 그리스도의 이미지가 단성설(Monophysite)이거나 네스토리안(Nestorian)이라고 선언했습니다. 왜냐하면 그분의 신성을 나타내는 것은 불가능하기 때문에 그분의 두 본성을 혼동하거나 분리하기 때문입니다. 세 명의 우상 수호자에게 특별한 저주가 내려졌습니다. 전 콘스탄티노플 총대주교 게르마누스, 다마스쿠스의 요한, 수도사 키프로스의 게오르그입니다.

콘스탄티누스 5세 황제는 775년에 사망했습니다. 그의 아들 레오 4세(775-80)는 성화파괴주의 법을 폐지하지는 않았지만 그 법을 시행하는 데 있어 훨씬 온화했습니다. 그는 추방된 수도사들이 돌아오는 것을 허락했고, 적어도 성인들의 중보기도를 용인했으며 모든 당사자를 화해시키려고 노력했습니다. 레오 4세가 죽었을 때, 이레네 황후는 아버지가 죽었을 때 아홉 살이었던 그녀의 아들 콘스탄티누스 6세(780-97)의 섭정이 되었습니다. 그녀는 즉시 Iconoclast 황제의 작업을 취소하기 시작했습니다. 그림과 유물이 복원된 교회 수도원이 다시 문을 열었습니다.

마지막으로 콘스탄티노플 총대주교와 이레네 황후는 교황 아드리안 1세(772-95)에게 대사관을 보내 자신의 수위를 인정하고 그에게 직접 오거나 적어도 이코노클라스트 시노드의 작업을 취소할 평의회에 특사를 보내달라고 간청했습니다. 청원은 받아들여졌고, 약 300명의 주교들이 787년 9월 24일부터 10월 23일까지 최초의 에큐메니칼 공의회가 있었던 니케아 공의회에 참석했습니다.

제2차 니케아 공의회는 성화의 사용을 확인하고 성화파괴주의 지도자들을 정죄했으며, 성화파괴주의 회의의 공식에 반대하여 게르마누스, 존 다마신, 키프로스의 조지에 대해 다음과 같이 선언했습니다. "삼위일체는 이 세 사람을 영광스럽게 만들었습니다."

이 공의회가 있은 지 27년 후, 우상파괴주의가 다시 발발했습니다. 아이콘은 842년에 다시 복원되었으며, 그 후 동쪽에서 도상파괴 운동은 점차 사라졌습니다. 아이콘은 오늘날까지도 정교회 예배와 헌신의 주요 부분으로 남아 있습니다. 가톨릭 교회는 이미지를 계속 숭배하지만, 그러한 이미지가 동양에서만큼 서양에서 중심적이지는 않습니다. 개신교 개혁자들은 일반적으로 성화의 사용에 반대했으며 오늘날 대부분의 개신교도는 성화를 계속해서 일반적으로 피하고 있습니다.

정통 아이콘의 형태

정통 아이콘은 일반적으로 종종 작은 나무에 달걀 튀김 그림입니다. 아이콘과 관련된 종교적 상징주의의 풍부한 역사와 풍부한 패턴이 있습니다. 일반적으로 정교회에서 사용되는 아이콘은 콘스탄티노플에서 유래한 사용법으로 신성시되는 공식을 엄격히 따랐습니다.

서양 종교 예술에서 친숙한 도상학적 참신함의 개인적이고 즉흥적인 전통은 동양에서는 대체로 부족합니다. 정교회는 때때로 그것을 "하늘로 통하는 창"이라고 부릅니다. 동방 교단의 교회에서 본당은 일반적으로 성상 벽에 의해 성소와 분리되어 있습니다. 예를 들어, 러시아의 많은 종교 가정에는 벽에 아이콘이 걸려 있습니다.

아이콘은 종종 심지가 있는 양초나 기름병으로 조명됩니다. (촛불용 밀랍과 기름 램프용 올리브유는 매우 깨끗하게 연소되기 때문에 선호됩니다.) 전기가 들어오기 전 어두운 교회에서 볼 수 있도록 하는 실용적인 목적 외에도 이것은 묘사된 성도가 조명을 받는다는 것을 상징적으로 나타냅니다. 세상의 빛이신 그리스도로 말미암아

정통 기독교의 아이콘 숭배

특히 8세기의 성화파괴 논쟁 이후 성화는 동방 기독교의 공적 예배와 사적 신심에서 필수적인 역할을 해왔다. 아이콘은 키스, 절, 제물 및 향을 포함하여 동양에서 숭배의 전통적인 표현으로 존경받습니다. "성인들은 그들을 통해 자비로운 능력을 행사하고 인간 생활의 모든 중요한 사건을 주재하고 질병에 대한 효과적인 치료법, 악마를 몰아내고, 영적 축복과 현세적 축복을 모두 얻고 일반적으로 신의 은총의 강력한 통로.” [2]

정통 기독교인들이 성상을 존경하거나 존경과 존경을 표할 때, 그들은 성상 자체가 아니라 묘사된 사람과 사건에 대한 감정을 표현하는 것일 뿐임을 이해합니다. 평신도에게 이 점을 분명히 하기 위해 성상 숭배는 그들의 숭배를 옹호한 제2차 니케아 공의회에서 금지되었습니다. 정교회 기독교인들은 성상을 숭배함으로써 물질이 본질적으로 악한 것이 아니라 하나님께서 사용하실 수 있음을 인정합니다. 위대한 성상 수호자인 다마스쿠스의 성 요한은 다음과 같이 설명했습니다.

나는 물질을 숭배하지 않습니다. 나는 나를 위해 물질이 되신 물질의 창조주를 경배합니다. 나는 나의 구원을 이끈 일에 대한 경의를 결코 멈추지 않을 것입니다! 나는 그것을 존중하지만 신으로서는 아니다. &hellip 문제를 경멸하지 마십시오. 비열한 것이 아닙니다. 하나님은 아무것도 비천하게 만들지 않았습니다. (신의 이미지에 관하여 1:16-17) ### 중요 특정 아이콘

블라디미르의 성모(오른쪽)는 가장 존경받는 정교회 아이콘 중 하나입니다. 러시아의 성스러운 수호자로 여겨지는 이 아이콘은 모스크바 트레티야코프 갤러리에 전시되어 있습니다.

콘스탄티노플의 총대주교 루크 크리소베르게스는 1131년경 키예프의 유리 돌고루키 대공에게 선물로 새로 그린 아이콘을 보냈습니다. 수송된 이콘은 블라디미르 근처에서 멈추고 더 이상 가기를 거부했는데, 이는 복되신 동정녀께서 블라디미르에 머물기를 원하신다는 신호로 해석되었습니다. 아이콘을 수용하기 위해 위대한 가정 대성당이 거기에 지어졌으며 러시아 북서부 전역에서 성모 마리아에게 헌정 된 다른 교회가 이어졌습니다.

1395년, Tamerlane의 침공 동안, 이미지는 블라디미르에서 새로운 수도인 모스크바로 옮겨졌습니다. 사람들과 통치자가 아이콘을 만난 장소는 Sretensky 수도원으로 기념됩니다. 모스크바의 바실리 1세(Vasili I of Moscow)는 아이콘을 보고 울면서 밤을 보냈고, 타메를레인(Tamerlane)의 군대는 같은 날 후퇴했습니다. 모스크바인들은 그것을 블라디미르로 반환하는 것을 거부하고 모스크바 크렘린의 승천 대성당에 그것을 두었다. 이 이미지는 1451년과 1480년에 타타르 무리로부터 모스크바를 구한 것으로도 알려져 있습니다.

지금까지 그려진 가장 정교한 아이콘 중 하나인 블라디미르의 성모님은 자녀에 대한 어머니의 사랑과 불안에 대한 보편적인 감정으로 가득 차 있습니다. 16세기까지 Vladimirskaya(러시아인들이 부르는 이름)는 전설의 대상이었습니다. 이 아이콘은 최후의 만찬의 주님의 식탁에 성 누가가 그렸다는 소문도 있습니다. 존경받는 이미지는 차르의 대관식, 총대주교 선거 및 기타 중요한 국가 의식에 사용되었습니다.

그러나 가장 중요한 봉사는 아직 오지 않았습니다. 1941년 12월 독일군이 모스크바에 접근하자 스탈린은 이 성상을 박물관에서 가져와 비행기에 실어 포위된 수도 주변으로 옮기라고 명령합니다. 며칠 후 독일군은 퇴각하기 시작했다.

러시아 정교회의 또 다른 중요한 아이콘은 스몰렌스크의 성모입니다. 인구 200,000명의 스몰렌스크는 아마도 15세기 리투아니아에서 가장 큰 도시였을 것입니다. 3개의 스몰렌스크 연대는 튜턴 기사단과의 그룬발트 전투에서 결정적인 역할을 했음이 입증되었습니다. 1514년 러시아의 바실리 3세가 도시를 탈환했을 때 큰 타격을 입었습니다. 이 사건을 기념하기 위해 차르는 모스크바에 노보데비치 수녀원을 설립하고 스몰렌스크의 성모님의 성상을 봉헌했습니다.

Częstochowa의 Black Madonna(폴란드어로 Czarna Madonna 또는 Matka Boska Częstochowska)는 14세기 검은색 마돈나의 아이콘입니다. 스웨덴의 공격으로부터 Jasna Góra 수도원을 기적적으로 구한 것으로 알려져 있습니다.


아이콘 - 역사

NS (그리스어 εἰκών에서 에이콘 '이미지, 닮음')은 동방 정교회, 동방 정교회, 로마 가톨릭, 일부 동방 가톨릭 교회의 문화에서 가장 흔히 볼 수 있는 종교적 예술 작품입니다. 그것들은 단순히 "이콘은 종교적 헌신에 사용되는 신성한 이미지입니다"라는 예술 작품이 아닙니다. [1] 가장 일반적인 주제는 그리스도, 마리아, 성인 및 천사를 포함합니다. 특히 한 두 명의 주요 인물에 초점을 맞춘 초상화 스타일의 이미지와 관련이 있지만 이 용어는 일반적으로 성경이나 성인의 삶에서 나오는 내러티브 장면을 포함하여 동방 기독교에서 제작한 다양한 예술 매체의 대부분의 종교 이미지도 포함합니다.

아이콘은 또한 금속으로 주조하거나 돌에 조각하거나 천에 수를 놓거나 나무에 칠하거나 모자이크 또는 프레스코 작업을 하거나 종이나 금속에 인쇄하는 등의 작업을 할 수 있습니다. 아이코닉"은 정적인 스타일의 경건한 이미지를 설명하는 데 사용할 수도 있습니다.

동방 정교회 전통은 기독교 이미지의 제작이 기독교 초기로 거슬러 올라가며 그 이후로 지속적인 전통이라고 주장합니다. 현대 학술 미술사는 이미지가 더 일찍 존재했을지 모르지만 그 전통은 3세기까지 거슬러 올라갈 수 있으며 초기 기독교 미술에서 살아남은 이미지는 종종 후기의 이미지와 크게 다르다고 간주합니다. 후기의 아이콘은 종종 5세기 이후의 이미지와 밀접하게 연결될 수 있지만 이들 중 극히 일부만 남아 있습니다. 726~842년의 비잔틴 성화파괴주의 기간 동안 이미지가 광범위하게 파괴되었지만 이미지의 적절성에 대한 문제는 영구적으로 해결되었습니다. 그 이후로 아이콘은 서구 교회의 아이콘보다 훨씬 더 큰 스타일과 주제의 연속성을 갖게 되었습니다. 동시에 변화와 발전이 있었습니다.


내용물

삼위일체 세로로 정렬된 판에 그렸습니다. 그것은 테이블에 앉아있는 세 천사를 묘사합니다. 탁자 위에는 송아지 머리가 담긴 컵이 있습니다. 배경에서 Rublev는 집(Abraham의 집으로 추정됨), 나무(Mamre의 떡갈나무), 산(Moria 산)을 그렸습니다. 천사의 형상은 몸의 선이 완전한 원을 형성하도록 배열됩니다. 가운데 천사와 왼쪽 천사가 손짓으로 잔을 축복합니다. [8] 그림에는 동작이나 움직임이 없다. 인물들은 움직이지 않는 명상의 상태에서 영원을 응시한다. 여백, 후광 및 컵 주위에 아이콘의 리자(금속 보호 덮개)에서 못이 봉인된 흔적이 있습니다.

도상학 편집

아이콘은 창세기의 이야기를 기반으로합니다. 아브라함과 사라의 환대 또는 아브라함의 환대 (§18). 성경의 족장 아브라함은 마므레 오크 옆에 '한낮의 더위에 그의 장막 문에 앉아 있었고' 그 앞에 세 사람이 서 있는 것을 보았는데, 그들은 다음 장에서 천사로 나타났습니다. '아브라함이 그들을 보고 장막 문에서 달려 나가 영접하고 땅에 엎드리니라' 아브라함은 하인에게 좋은 송아지 하나를 준비하고 유유와 젖과 송아지를 그들 앞에 놓고 나무 아래에서 그들이 먹을 때 기다리라고 명령했습니다(창세기 18:1-8). 한 천사는 아브라함에게 사라가 곧 아들을 낳을 것이라고 말했습니다.

주제 삼위일체 서로 다른 시대에 다양한 해석을 받았지만 19-20세기에 이르러 학자들 사이에 다음과 같은 합의가 있었습니다. ), 그리고 성령. [9] 미술 평론가들은 Andrei Rublev의 아이콘이 이러한 개념에 따라 만들어졌다고 생각합니다. 삼위일체 교리를 밝히기 위해 루블레프는 그림에 일반적으로 포함된 대부분의 전통적인 플롯 요소를 포기했습니다. 아브라함과 사라의 환대 이야기. 그는 아브라함과 사라, 송아지 도살 장면을 그리지 않았으며 식사에 대한 자세한 설명도 하지 않았습니다. 천사들은 먹는 것이 아니라 말하는 것으로 묘사되었습니다. "천사들의 부드럽고 절제된 몸짓은 대화의 숭고한 본성을 보여줍니다." [10] 세 천사의 고요한 친교가 구성의 중심이다.

루블레프의 도상에서 삼위일체의 세 위격의 동일성에 대한 관념을 가장 명확하게 나타내는 형태는 원이다. 구성의 기초입니다. 동시에 천사는 원 안에 삽입되지 않고 원을 만들어내므로 우리의 시선은 세 형상 중 어느 것에도 머물지 않고 오히려 이 제한된 공간 안에 머문다. 구성의 임팩트 있는 중심은 송아지 머리가 있는 컵입니다. 그것은 십자가의 희생을 암시하고 성찬례를 상기시키는 역할을 합니다(좌우 천사의 형상은 컵을 닮은 실루엣을 만듭니다). 탁자 위에 놓인 컵 주위에서 몸짓의 조용한 대화가 일어난다. [11]

왼쪽 천사는 하나님 아버지를 상징합니다. 그는 잔을 축복하지만, 마치 그가 잔을 중앙 천사에게 건네주는 것처럼 그의 손은 멀리 그려져 있다. Viktor Lazarev는 중앙 천사가 예수 그리스도를 상징한다고 제안합니다. 예수 그리스도는 컵을 축복하시고 "내 아버지여, 할 수만 있으면 이 잔을 내게서 거두어가시기를 원하나이다. 그러나 내 뜻대로 하지 마옵소서. , 하지만 당신이 원하는 대로". (마 26:39) [12] 세 위격 각각의 성격은 집, 나무, 산이라는 상징적 속성을 통해 드러난다. [6] 신적 행정의 출발점은 창조적인 신의 의지이므로 루블레프는 아브라함의 집을 상응하는 천사의 머리 위에 둔다. 마므레의 오크나무는 생명나무로 해석될 수 있으며[6], 그것은 예수님의 십자가 죽음과 그 후의 부활을 상기시키는 역할을 하여 영생의 길을 열었습니다. 떡갈나무는 예수를 상징하는 천사 위에 중앙에 있습니다. 마지막으로 산은 인간이 성령의 도우심으로 이루는 영적인 상승의 상징이다. 10 삼위일체의 세 위격의 일치는 만물 사이의 일치와 사랑을 표현합니다. “아버지께서 내 안에, 내가 아버지 안에 있는 것 같이 그들도 다 하나가 되어 우리 안에 있게 하사 세상으로 아버지께서 나를 보내신 것을 믿게 하소서." (요한복음 17:21)

아버지와 아들, 두 천사의 날개가 겹칩니다. 아들의 옷의 푸른색은 신성을, 갈색은 땅과 그의 인성을, 금색은 하나님의 왕권을 상징합니다. [13] 성령의 날개는 아들의 날개에 닿지 않고, 아들의 창에 의해 눈에 띄지 않게 갈라진다. 성령의 옷의 파란색은 신성을, 초록색은 새 생명을 상징합니다. [14] 성령과 성자의 머리의 자세와 기울기는 성부께 복종함을 나타내되, 같은 보좌에 앉는 것은 평등을 상징한다. [15]

리자 편집

1575년 현재 St. Sergius의 Trinity Lavra 기록에 따르면 아이콘은 Ivan Terrible의 명령에 따라 "금으로 덮여" 있습니다. 황금 리자는 1600년 보리스 고두노프(Boris Godunov)의 차르 시대에 새롭게 단장되었습니다. 새로운 리자는 Ivan Terrible의 것을 복사했지만 원본은 새 복사본으로 옮겨졌습니다. 삼위일체 그 목적을 위해 특별히 그렸습니다. 1626년 미카엘 1세는 리자에 에나멜과 보석을 더한 황금 차타를 주문했습니다. 18세기에는 금박을 입힌 은색 도장이 찍힌 천사 복장이 추가되었습니다. [16] 리자의 또 다른 사본은 1926~28년에 만들어졌다. 두 사본은 이제 Trinity Lavra의 Trinity Cathedral iconostasis에 보관됩니다.

데이트 삼위일체 불확실하다.이 주제에 대한 역사적 데이터는 많지 않으며 20세기 초반에도 역사가들은 감히 사실을 주장하지 않았고 추측과 가정만 할 수 있었습니다. [10] 아이콘은 1551년에 처음 언급되었습니다. 백 장의 책, Stoglavy 대회에서 만든 교회 법률 및 규정 모음. 다른 것들 사이, 그 책 성 삼위일체의 도상학, 특히 십자가와 후광과 같이 그러한 도상을 위해 정식으로 필요하다고 여겨지는 세부 사항에 대해 내려진 시노드의 결정을 언급했습니다.

. 아이콘 화가는 그리스 아이콘 화가와 Ondrei가 한 것처럼 고대 예에서 아이콘을 그려야 합니다.] Rublev 및 기타 전임자. (러시아어: Писати иконописцем иконы с древних переводов, како греческие иконбописцы писали, н и как писа

이 텍스트에서 스토글라비 시노드의 참가자들은 삼위 일체 Andrei Rublev가 만든 아이콘으로, 그들의 의견으로는 모든 교회 규범과 일치하며 모범 사례로 간주될 수 있습니다. [17] [18]

다음을 언급하는 알려진 출처 삼위일체 ~이다 성 아이콘 화가의 전설 (러시아어: Сказание о святых иконописцах ) 17세기 말, 즉 18세기 초에 편찬되었습니다. 그것은 Radonezh의 Sergius의 제자 인 Radonezh의 Nikon이 Andrei Rublev에게 "아버지 Sergius를 기리기 위해 성 삼위 일체의 이미지를 그리도록"요청했다는 언급을 포함하여 많은 반 전설적인 이야기를 포함합니다. [19] 불행히도 이 늦은 출처는 대부분의 역사가들이 신뢰할 수 없는 것으로 간주합니다. 그러나 다른 사실의 부족으로 인해 이 버전의 삼위일체's 만들기는 일반적으로 받아 들여집니다. [2] 니콘과의 대화가 언제 있었는지에 대한 질문은 여전히 ​​열려 있습니다.

Trinity Lavra의 영토에 위치한 원래의 목조 Trinity Church는 1411년에 전소되었고 Radonezh의 Nikon은 새로운 교회를 짓기로 결정했습니다. 1425년까지 석조로 된 삼위일체 대성당이 세워져 오늘날까지 남아 있습니다. Radonezh의 Sergius가 사망 한 후 총장이 된 Nikon은 다가오는 죽음을 감지하고 Andrei Rublev와 Daniel Chorny를 초청하여 최근에 지어진 대성당의 장식을 마무리했다고 믿어집니다. 아이콘 화가는 프레스코를 만들고 여러 계층의 아이콘 고정을 만들어야 했습니다. [20] 하지만 둘 다 성 세르지오의 생애, 그의 삶에 대한 성문 설명, 세인트 니콘의 삶 언급하다 삼위일체 아이콘, 그것은 1425-1427 년에 대성당의 장식으로 쓰여졌습니다.

이 날짜는 두 교회의 건축 날짜를 기준으로 합니다. 그럼에도 불구하고 예술 비평가들은 아이콘의 스타일을 고려하여 문제가 해결되었다고 생각하지 않습니다. 이고르 그라바르 데이트 삼위일체 1408–1425년, Yulia Lebedeva는 1422–1423년을 제안했으며 Valentina Antonova는 1420–1427년을 제안했습니다. 여부는 불명 삼위일체 루블레프는 1408~1420년에 창의성이 절정에 달했을 때 또는 말년에 만들어졌습니다. 스타일 분석에 따르면 1408년경에 만들어졌을 수 있는데, 이는 Dormition 대성당의 프레스코화(거의 동시에 만들어짐)와 양식적으로 유사하기 때문입니다. [21] 한편, 삼위일체 1425년에서 1427년 사이에 그려진 최고의 트리니티 대성당 아이콘들과도 비교할 수 없는 견고함과 완벽함을 보여줍니다. [22]

소련 역사가 Vladimir Plugin은 아이콘이 Radonezh의 Nikon과 아무 관련이 없다는 이론을 가지고 있었지만 Ivan Terrible에 의해 Trinity Lavra에 가져 왔습니다. 그는 유명한 역사가 Alexander Gorsky 이후의 모든 이전 학자들이 Ivan Terrible이 Trinity Lavra에 이미 보관되어 있던 아이콘만을 "금으로 덮었다"는 잘못된 가정을 했다고 이론화했습니다. [23] Plugin은 아이콘이 Ivan 자신에 의해 Lavra에 가져온 것이라고 말했습니다. 삼위일체 훨씬 더 일찍, 아마도 그 날짜보다 150년 전에 만들어졌습니다. [10] 그러나 1998년 Boris Kloss는 이른바 카잔 공성전의 트로이츠크 이야기, 1553년 6월 이전에 작성된 [24]에는 Ivan Terrible이 Lavra의 기존 아이콘만 "장식"했다는 사실에 대한 명확한 언급이 포함되어 있습니다. [25] [26]

Rublev는 처음에 삼위 일체 16세기 텍스트 중간에 있는 아이콘 백 장의 책. 학자들은 16세기 중반까지 Rublev가 그러한 이름을 가진 아이콘의 저자로 간주되었다고 확신할 수 있습니다. 러시아 민족지학자 Ivan Snegiryov는 다음과 같은 제안을 했습니다. 삼위일체 성 세르지오(St. Sergius)의 삼위일체 라브라(Trinity Lavra)에 보관된 이 조각은 사실 루블레프(Rublev)의 아이콘으로, 당시 이름으로 알려진 몇 안 되는 러시아 아이콘 화가 중 한 명이었습니다. 이 아이디어는 학자들 사이에서 인기를 얻었고 1905년에는 지배적이었습니다. [27] 삼위일체 여전히 그의 작품으로 일반적으로 받아들여지고 있다.

그럼에도 불구하고 아이콘 아트 비평가들은 아이콘 아트를 청소한 후 그 아름다움에 너무 놀라 이탈리아 화가가 만들었다는 설이 있습니다. 처음 제안한 사람은 청소도 하기 전부터 드미트리 로빈스키(Dmitry Rovinsky)였지만 그의 아이디어는 "대도시 필라레(Philaret)의 메모에 의해 즉시 소멸되었고 다시 전설에 따르면 아이콘은 루블레프(Rublev)에게 귀속되었다. 이 화가의 주요 예술 작품 중 하나를 연구한 사람들". Dmitry Aynalov, [28] Nikolai Sychyov 및 Nikolay Punin 모두 비교됨 삼위일체 지오토와 두치오의 작품. [29] 빅토르 라자레프는 이것을 피에로 델라 프란체스카의 작품과 비교했다. [30] 그러나 그들 중 누구도 이 그림이 이탈리아의 영향을 받아 만들어졌다고 주장하지 않았기 때문에 그림의 높은 품질을 지적하려는 의도였을 가능성이 큽니다. Viktor Lazarev는 다음과 같이 요약합니다. "최근 분석에 비추어 볼 때 Rublev는 이탈리아 예술 작품에 익숙하지 않았기 때문에 그 작품에서 아무 것도 빌릴 수 없었다고 분명히 말할 수 있습니다. 그의 주요 출처는 Palaiologos 시대의 비잔틴 예술이었습니다. 특히 수도인 콘스탄티노플에서 만든 그림. 그의 천사의 우아함, 기울어진 머리 모티브, 식사의 직사각형 모양은 정확히 거기에서 파생되었습니다." [8]

성 세르지오(St. Sergius) 기록 보관소의 트리니티 라브라(Trinity Lavra)에 따르면 이 아이콘은 1575년부터 트리니티 대성당에 보관되어 있었습니다. 이 아이콘은 iconostasis의 맨 아래 계층에서 주요 위치(왕실 문 오른쪽)를 차지했습니다. 그것은 수도원에서 가장 존경받는 아이콘 중 하나였으며 통치 군주(처음에는 끔찍한 이반, 그 다음에는 보리스 고두노프와 그의 가족)로부터 관대한 기부를 받았지만 수도원에서 숭배의 주요 대상은 Radonezh의 유물의 Sergius였습니다. 1904년 말까지, 삼위일체 무거운 황금색 리자 아래 눈에서 숨겨져 천사의 얼굴과 손 (소위 "얼굴 이미지") 만 열려 있습니다.

19세기와 20세기로 접어들면서 러시아의 도상학은 미술사학자들에 의해 예술의 한 형태로 "발견"되었습니다. 얼굴과 손을 제외하고 거의 완전히 덮던 리자에서 아이콘을 꺼내서 청소했습니다. 아이콘은 전통적으로 건조 오일 층으로 코팅되었기 때문에 청소가 필요했습니다. 정상적인 조건에서 건성유는 30-90년 안에 완전히 어두워집니다. 어두운 레이어 위에 새 아이콘을 칠할 수 있습니다. 평소에는 같은 주제를 가지고 있었지만 당시의 새로운 미학 원칙에 따라 스타일이 바뀌었습니다. 어떤 경우에는 새로운 화가가 원본의 비율과 구성을 유지했지만 다른 경우에는 화가가 주제를 복사했지만 인물과 포즈의 비율을 조정하고 기타 세부 사항을 변경했습니다. 그것은 "아이콘 갱신"(러시아어: поновление икон)이라고 불렸습니다. [31] 삼위일체 4~5번 "갱신"되었습니다. [32] 첫 번째 갱신은 아마도 보리스 고두노프(Boris Godunov)의 차르 시대에 일어났을 것입니다. 다음 그림은 1635년에 완성되었을 가능성이 가장 높으며, 모든 기념비적인 그림의 갱신과 삼위일체 라브라의 상징물이 있습니다. 미술 사학자들은 페인트 층의 손상 대부분을 그 기간으로 돌립니다. 부석으로 인한 손상은 특히 천사의 옷과 배경에서 볼 수 있습니다. 삼위일체 1777년 메트로폴리탄 플라톤(Metropolitan Platon) 시대에 전체 아이콘이 다시 만들어졌을 때 더 리뉴얼되었습니다. Vasily Guryanov는 Palekh 학교 화가와 예술가 I. M. Malyshev에 의해 각각 1835년과 1854년에 두 번 더 갱신되었다고 말했습니다. [32]

1904년 청소

20세기 초에 많은 아이콘이 하나씩 청소되었으며 그 중 많은 부분이 걸작으로 판명되었습니다. 마침내 학자들이 관심을 갖게 되었다. 삼위일체 삼위일체 Lavra에서. 블라디미르의 오토코스나 카잔의 성모님과 같은 다른 아이콘들에 비해 삼위일체 특별히 존경을 받지는 않았고, 특별한 것도 없었고, "기적을 일으키는" 것도 아니었고, 몰약을 퍼뜨리는 것도 아니었고, 많은 사본의 출처가 되지도 않았습니다. 그러나 그것은 그것이 바로 그 아이콘으로 여겨졌다는 사실 때문에 일정한 명성을 얻었습니다. 백 장의 책. Andrei Rublev의 이름이 그 책 뿐만 아니라 그는 기독교 신자들 사이에서 높은 존경을 받았습니다. 많은 다른 아이콘과 프레스코가 그에게 귀속되었습니다. Gorodok에 있는 Dormition 교회의 프레스코화. 청소 삼위일체 이론적으로 그의 스타일의 완벽한 예를 밝힐 수 있었고 전설이나 일반적인 믿음에 기초하여 그에게 귀속된 다른 아이콘을 조사하는 데 도움이 될 수 있습니다. [17]

1904년 봄에 Trinity Lavra의 수도자에 의해 초대된 Vasily Guryanov는 iconostasis에서 아이콘을 꺼내 리자를 제거한 다음 "갱신"과 건조 오일에서 청소했습니다. [17] [33] Ilya Ostroukhov가 그를 추천했습니다. 그는 V. A. Tyulin과 A. I. Izraztsov의 도움을 받았습니다. riza를 제거한 후 Guryanov는 Rublev의 그림을 찾지 못했지만 모든 "갱신"의 결과를 발견했습니다. Rublev의 예술은 그들 아래에있었습니다. 그는 다음과 같이 썼습니다. "이 아이콘에서 황금색 리자가 제거되었을 때 우리는 완벽하게 칠해진 아이콘을 보았습니다. 배경과 여백은 갈색으로 착색되었고 황금색 비문은 새 것이었습니다. 모든 천사의 옷은 라일락 색조로 다시 칠해졌고 페인트로 칠하지 않았습니다. , 하지만 테이블은 금으로, 산과 집은 다시 칠해져… [34] 1919년의 또 다른 복원 과정에서 밝혀진 바와 같이, 구랴노프는 몇몇 곳에서 원래 지층에 도달하지 못했다. Guryanov는 Palekh 학교 스타일로 칠해진 마지막 레이어 세 개를 제거한 후 원래 레이어를 공개했습니다. 복원자와 그 사건의 목격자들은 모두 놀랐습니다. 당시 도상학의 전형이었던 건유의 짙은 스모키 톤과 브라운 계열의 의상 대신 14세기 이탈리아의 프레스코화와 성화를 연상시키는 밝은 색상과 투명한 의상이 눈에 띈다. [17] 그런 다음 그는 아이콘이 어떻게 생겼는지에 대한 자신의 견해에 따라 아이콘을 다시 그렸습니다. 이후 삼위일체 iconostasis로 돌아왔습니다.

Guryanov의 노력은 그의 동시대 사람들에 의해서도 패닉되었습니다. 1915년 Nikolai Sychyov는 그의 복원이 실제로 우리에게서 예술 작품을 숨겼다고 지적했습니다. 나중에 청산해야 했습니다. Y. Malkov는 다음과 같이 요약했습니다.

1918년의 이 그림의 노출만이 이 단어의 현대 과학적 의미에서 "복원"이라고 부를 수 있습니다. 삼위일체 사실, V. P. Guryanov의 지도하에 1904-1905년에 일어난 "복원"을 포함하여 "갱신"에 불과했습니다. 의심할 여지 없이 복원자들은 인물의 윤곽, 옷, 후광을 거칠게 확대하여 아이콘의 모든 그래픽 및 선형 구조를 의식적으로 강화하려고 노력했습니다. 명백한 간섭도 있었다. 내부 성소, "얼굴 이미지" 영역, 불충분하게 청소된 저자의.. 선이 남아 있습니다. (이미 16-19세기의 최신 리뉴얼에 의해 다소 도식적으로 재현됨) V. P. Guryanov와 그의 조수들의 딱딱한 그래픽에 말 그대로 구겨지고 흡수되었습니다. [32]

1919년 복원으로 Rublev의 예술이 드러났습니다. Guryanov의 작업과 이전 세기의 흔적이 많이 남아 있습니다. 오늘날 아이콘 표면은 다양한 기간 동안 생성된 레이어의 조합입니다.

1918년 청소

아이콘이 삼위일체 대성당의 아이콘 고정 상태로 돌아오자마자 다시 매우 빠르게 어두워졌습니다. 다시 열어야 했습니다. 러시아 고대 회화 청소 위원회는 1918년 복원을 담당했습니다. Yury Olsufyev는 Igor Grabar, Alexander Anisimov, Alexis Gritchenko 및 St. Sergius의 Trinity Lavra 산하 예술 보호 위원회를 포함하는 팀의 리더였습니다. , Yury Olsufyev 자신, Pavel Florensky, Pavel Kapterev가 포함되었습니다. 복원 작업은 1918년 11월 28일에 시작되어 1919년 1월 2일까지 지속되었습니다. 이 작업은 I. Suslov, V. Tyulin 및 G. Chirikov에 의해 수행되었습니다. 청소의 모든 단계는 문서에 자세히 기록되었습니다. 다이어리. 이 기록과 Yury Olsufyev의 개인적인 관찰을 바탕으로 작업 요약은 다음과 같습니다. 프로토콜 번호 1 이 문서는 Tretyakov Gallery 아카이브에 보관되어 있습니다. 일부 세부 사항과 선은 복원되었으며 나머지는 복원할 수 없을 정도로 손상된 것으로 나타났습니다. [32]

의 안전한 보관 문제 삼위일체 청소 직후 1918-19 년에 시작되었습니다. 봄과 가을에 1년에 두 번, 삼위일체 대성당의 습도가 높아져 이콘이 이른바 퍼스트 이콘 보관소로 옮겨졌다. 온도와 습도의 지속적인 변화는 상태에 영향을 미쳤습니다.

Tretyakov 갤러리에서 편집

10월 혁명 이전 삼위일체 삼위일체 대성당에 남아 있었지만 소비에트 정부가 그것을 최근 설립된 중앙 국가 복원 워크샵에 보낸 후. 1920년 4월 20일 인민위원회 평의회는 다음과 같은 법령을 발표했다. 성 세르지오의 삼위일체 라브라의 역사적, 예술적 가치를 박물관으로 전환에 대해 (러시아어: Об обращении в музей историко-художественных ценностей Троице-Сергиевой лавры ). 그것은 Lavra 자체와 모든 컬렉션을 "해당 건물과 컬렉션을 박물관으로 변형하여 예술적이고 역사적인 건물을 민주화할 목적으로" 국가 교육 위원회의 관할권에 넘겼습니다. 삼위일체 자고르스크 국립 공원 및 역사 예술 박물관에 도착했습니다. 1929년에 아이콘은 모스크바의 Tretyakov Gallery에 도착했고, Nikolai Baranov가 만든 사본은 iconostasis에서 원본을 대체했습니다.

아이콘은 Tretyakov 갤러리의 Andrei Rublev의 방에 보관되어 있습니다. 갤러리를 두 번만 나갔습니다. 첫 번째는 1941년 2차 세계 대전 중 철수 때 발생했습니다. 노보시비르스크의 노보시비르스크 오페라 및 발레 극장으로 일시적으로 이전되었습니다. 1945년 5월 17일 삼위일체 Tretyakov 갤러리로 반환되었습니다. 2007년 5월 삼위일체 위해 꺼내졌다 유럽-러시아-유럽 그러나 판자 조각이 탈구되어 고정하고 보강해야 했습니다. 1997년부터 아이콘은 Andrei Rublev의 방에서 Tretyakov Gallery의 교회로 오순절마다 옮겨졌습니다. 그것은 완벽한 온도 및 습도 조건을 가진 특별한 쇼 윈도우 아래에 배치됩니다. 러시아 연방 초대 대통령인 보리스 옐친은 이 아이콘을 교회에 돌려줄 생각을 했습니다. 그러나 당시 문화부 장관인 유리 멜렌티예프의 도움으로 발렌틴 야닌이 대통령을 만나 마음을 바꿨다. 이 문제는 에 발표된 법령으로 종결되었습니다. 로시스카야 가제타, 삼위일체 Tretyakov 갤러리의 재산으로 영원히 선언되었습니다.

2008년 갤러리 직원 중 한 명인 Levon Nersesyan은 총대주교 Alexy가 2009년 여름 종교 휴일을 위해 이 아이콘을 Lavra에 가져오도록 요청했다고 밝혔습니다. [35] 대부분의 학자들은 대성당 내부의 기후가 완전히 초, 유향 및 운송이 그것을 파괴 할 수 있다는 아이콘 보관에 적합하지 않습니다. 이 움직임을 지지한 유일한 사람은 갤러리의 감독이었습니다. 다른 모든 스태프, 미술 평론가, 미술사학자들은 반대했다. 감독은 업무상 과실치사상 혐의를 받고 있다. [1] Valentin Yanin은 다음과 같이 말했습니다.삼위일체 종교에 관계없이 모든 신념을 가진 사람들이 이용할 수 있어야 하는 뛰어난 예술 작품이자 국가 유산입니다. 뛰어난 예술 작품은 좁은 교구 신자들이 볼 수 있도록 교회 내부가 아니라 공공 박물관에 보관되어야 합니다." [1] 이 아이콘은 결국 박물관에 남게 되었습니다.

의 현재 상태 삼위일체 원래 상태와 다릅니다. 최소한 1600년에 이르러서야 변경되었으며 아마도 그보다 훨씬 더 일찍 변경되었을 것입니다. 복원자들이 달성할 수 있었던 원래 상태에 가장 가까운 상태는 1918년 복원 이후였습니다. 그 복원으로 루블레프의 원래 작품의 대부분이 드러났지만, 구랴노프와 다른 세기의 작품에 대한 수많은 흔적이 보존되었습니다. 현재의 표면은 다양한 시기에 생성된 층들의 조합입니다. 아이콘은 현재 다음과 같이 강화되었습니다. 슈폰카, NS. 이자형. 아이콘에 특별히 사용되는 작은 다웰.

현재 삼위일체 일정한 습도와 온도 조건에서 박물관의 특수 유리 캐비닛에 보관됩니다.

Tretyakov Gallery는 현재 상태를 "안정적"으로 보고했습니다. [1] 특히 여백에 지면과 페인트 레이어 사이에 지속적인 간격이 있습니다. 가장 큰 문제는 전면의 표면을 관통하는 수직 크랙으로, 미지의 시기에 1차 기판과 2차 그라운드 기판 사이의 파열이 발생했다.Guryanov는 청소하는 동안 균열을 기록했습니다. 1905년 사진은 균열이 이미 존재하는 것으로 묘사합니다.

균열은 1931년에 눈에 띄기 시작하여 1931년 봄에 부분적으로 수정되었습니다. 당시 간격은 아이콘 상단에서 2mm, 오른쪽 천사의 얼굴에서 1mm에 이르렀습니다. Yury Olsufyev는 아이콘을 인위적으로 유도된 높은 습도의 특수 방으로 이동하여 수리를 시도했습니다. ...경 70%. 보드 사이의 간격은 1-5개월 만에 거의 완전히 닫혔습니다. 1931년 여름이 되자 습기에 노출되어 간격을 좁히는 진행이 중단되었습니다. 그런 다음 젯소 층과 페인트 층을 매스틱으로 강화하고 그 틈을 채우기로 결정했습니다. [1]

복원 작업자는 서로 다른 시간의 서로 다른 페인트 층이 가장 작은 주변 변화에 어떻게 반응했는지 확신할 수 없었습니다. 아주 작은 기후 변화에도 예측할 수 없는 피해가 발생할 수 있습니다. Tretyakov Gallery의 복원자 위원회는 아이콘을 더욱 강화하는 방법에 대한 다양한 제안에 대해 오랫동안 숙고했으며 2008년 11월 10일 위원회는 현재의 안정적인 아이콘 상태가 어떤 상황에서도 방해받지 않아야 한다고 결론지었습니다. [1]

두 개의 축성된 사본이 있습니다. 삼위일체. 정교회 전통에 따라 이콘과 원본의 봉헌된 사본(또한 프로토타입) 완전히 상호 교환 가능합니다. [1]

  • Ivan Terrible riza를 그곳으로 옮길 목적으로 1598-1600년에 Boris Godunov가 의뢰한 Godunov의 사본. 그것은 St. Sergius의 Trinity Lavra의 Trinity Cathedral에 보관되었습니다.
  • 1929년 국제 아이콘 복원 전시회를 위해 1926~28년에 의뢰된 Baranov와 Chirikov의 사본. [1] 모스크바의 Tretyakov 갤러리로 옮겨진 후 원래 아이콘을 대체했습니다.

두 아이콘은 현재 Sergiyev Posad에 있는 Trinity Cathedral의 iconostasis에 보관되어 있습니다.